miércoles, 29 de diciembre de 2010

La Missa Solemnis

La Missa Solemnis, escrita en 1818, su segunda obra para la iglesia católica, es un canto de fe a Dios y a la naturaleza del hombre. Es una de sus obras más famosas, compuesta por encargo de su alumno, el archiduque Rudolf, nombrado en esa época arzobispo de Olomouc.

La Missa solemnis provocó no pocos problemas a Beethoven. La obra fue estrenada parcialmente junto con la Novena sinfonía. La versión definitiva sólo sería conocida por completo después de su muerte.

Otras obras corales de Beethoven son la Fantasía coral para piano, coro y orquesta (Op. 80), la Misa en do mayor, Latina, (Op. 86), así como numerosos lieder, arias, coros y cánones, un ciclo de melodías, una cantata y el oratorio Cristo en el monte de los Olivos, en 1803, así como el famoso presto de la Novena sinfonía.

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Beethoven no mostraría particular interés en escribir óperas.

Lo cierto es que Beethoven no mostraría particular interés en escribir óperas. Un proyecto largamente conversado con Goethe para transformar en ópera el Fausto no llegaría jamás a concretarse por razones desconocidas hasta hoy. Sin embargo, algunos autores, basados principalmente en anotaciones del propio Beethoven, han descrito algunas de sus sinfonías como «óperas encubiertas». Tal carácter ha sido asignado tanto a la Sexta Sinfonía como a la Tercera.

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Ópera

Beethoven se centró sobre todo en la música orquestal, compaginándola con la música de cámara y para piano. También intentó desarrollar obras vocales, aunque con suerte muy diversa. Por ejemplo, su única ópera escrita, Fidelio, revisada desde 1805 hasta 1814, fue un fracaso el día de su estreno. El músico tuvo que esperar hasta el 23 de mayo de 1814 para ser aclamado entusiásticamente por un público enfervorizado. La nueva versión representaba para el público más que la recreación de los principios de la Ilustración, como fue su primer objetivo en 1805, la celebración de las victorias sobre Napoleón y como una alegoría de la liberación de Europa. Fue entonces cuando, ruborizado ante tales muestras de apoyo y cariño del público, escribió en su libro de conversaciones: «es evidente que uno compone más bellamente cuando lo hace para el gran público». Se trataba, sin duda, del mismo compositor que había gritado al editor, tras el desastre de su primer Fidelio: «no compongo para la galería, que se vayan todos al infierno», nueve años antes.

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sábado, 18 de septiembre de 2010

Bulería

Las bulerías[1] (de bullería, y este de bulla, griterío y Jaleo, o de burlería, burla) son un palo flamenco más típico de Jerez de la Frontera, generalmente de tres o cuatro versos octosílabos. Las bulerías derivan de la Soleá ya que el "Loco Mateo", su primer intérprete, remataba de esta manera sus solerares (o soleás). Se caracterizan por su cante bullicioso, generalmente para bailar, cuyo origen data de finales del siglo XIX. Se distinguen por su ritmo rápido y redoblado compás, que admite mejor que ningún otro estilo, gritos de alegría y expresivas voces de jaleo. Su tonalidad puede ser Mayor o menor. Sin embargo las más flamencas (con más pellizco) se encuentran en modo dórico.

Bulerías son un palo bullicioso,fiestero y alegre del flamenco. Se distinguen por su ritmo rápido y redoblado compás que se presta mas que otros cantes al jaleo y las palmas. Suelen ser el baile con el que se remata toda juerga flamenca (donde formando un semicírculo y de uno en uno, los intérpretes van saliendo a bailar una parte de la pieza musical.)

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Bandolá

La Bandolá es un tipo de cante flamenco, considerado dentro del palo de los cantes derivados de los Verdiales.

Las bandolás aparecen cuando los verdiales pierden su caracter de bailables y el acompañamiento de una panda de música, cantándose en solitario por el cantaor con un ritmo más lento, acompañado sólo de una guitarra. Algunos autores consideran que la Bandolá es el tronco común de los cantes de Málaga, y de ella derivan las Rondeñas, el Jabegote, la Jabera y la misma Malagueña, además de los fandangos abandolaos y cantes personales, como los de Juan Breva y las granaínas de Frasquito Yerbagüena

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composición de la bambera

La bamba tiene cuatro versos octosílabos o el primero y tercero heptasílabos y el segundo y el cuarto pentasílabos. Se repiten generalmente los dos primeros versos al final de la copla, o bien forma una quintilla repitiendo tan sólo el segundo.

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sábado, 28 de agosto de 2010

historia del merengue

La Hispaniola, isla que comprende a los actuales países de Haití y la República Dominicana ha producido grandes sonidos a través de los siglos. Dentro del ambiente de la música afrocaribeña, el género dominicano del merengue ha jugado un papel muy importante. Como la contradanza y el danzón cubano; el merengue emergió en la zona de Santiago de los Caballeros, en la región conocida como Cibao, como descendiente de una mezcla entre ritmos del África negra y de la "contradanse" europea durante la mitad del siglo XIX y siguió absorbiendo más elementos africanos y criollos. Como baile, el merengue es mucho más sencillo y menos asincopado que sus primos cubanos, consistiendo en una danza de dos pasos. Su historia esta repleta de esfuerzos y penas sociales y políticas, un tema mejor reservado para mayor investigación, pero su desarrollo como género popular es crucial en la evolución de la música afrocaribeña. wikipedia

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El origen de la palabra Merengue

El origen de la palabra merengue se remonta a la época de la colonia y proviene del vocablo muserengue o tamtan mouringue, nombre que se daba a los bailes entre algunas de las culturas africanas que, traídas desde las costas de Guinea, llegaron a la costa atlántica colombiana y venezolana. wikipedia

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sábado, 21 de agosto de 2010

Instrumentos del andalusi

Las orquestas de música clásica andalusí usan instrumentos como el laúd (oud), el rabel (rabab), la darbuka , la pandereta (taarija), la cítara (qanún) y el violín (kamenjah). Aunque, recientemente, se han ido añadiendo otros instrumentos wikipedia

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Música en andalusi

La nuba andalusí dio lugar a las bases del al-ala. Aunque sus raíces nos llevan a al-Ándalus, la nuba moderna fue creada, casi con toda seguridad, en el África del Norte. Cada nuba estaba regulada por un modo o escala musical. Se dice que existían 24 nubas, cada una relacionada con una hora del día, pero en Argelia sólo han sobrevivido 16 nubas y 11 en Marruecos, las cuales, todas juntas incluyen 25 modos andalusíes. Cada nuba está dividida en cinco partes llamadas mizan, a cada una de las cuales les corresponde un ritmo. Los ritmos en una nuba se suceden de la siguiente manera:

  • basît (6/4)
  • qâ'im wa nusf (8/4)
  • btâyhî (8/4)
  • darj (4/4)
  • quddâm (3/4 o 6/8)

Una nuba puede durar entre seis o siete horas aunque, en la actualidad, no se suele tocar la nuba al completo, sino un único mizan.

Cada mizan comienza con un preludio llamado tûshiya, m'shaliya o bughya, seguido por alrededor de veinte canciones (sana'i).

Las orquestas de música clásica andalusí se reparten entre Maghreb, incluyendo ciudades como Argel, Bejaia, Blida, Constantine, Fez, Kairouan, Mostaganem, Nedroma, Orán, Oujda, Rabat, Tetuán, Tlemcen, Túnez, etc. wikipedia

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Orígenes del andalusi

Se dice que la música clásica andalusí nació durante el Califato de Córdoba en el siglo IX. El músico iraquí Ziryab, músico de la corte de Abd al-Rahman II en Córdoba, muerto en el año 857, ha sido considerado históricamente como su inventor. Posteriormente, el poeta, compositor y filósofo Ibn Bajjah de Zaragoza (muerto en el año 1139), ha combinado el estilo de Ziryab con la música clásica occidental para producir un estilo totalmente nuevo que se expandió por la Península Ibérica y el África del Norte.

Durante el siglo XI, la España y el Portugal moro se habían convertido en un centro de manufactura de instrumentos. Estos productos se han ido introduciendo gradualmente en Francia, influenciando a los trovadores, y han ido llegando al resto de Europa. Las palabras laúd, rabel, guitarra y órgano derivan del árabe oud, rabab, qitara y urghun.

La música clásica de al-Ándalus alcanzó el África del Norte gracias a siglos de intercambio comercial, a la dinastía Almohade y, más tarde, a la dinastía Benimeriní. La llegada masiva, y los consecuentes reasentamientos, de moriscos y sefardíes procedentes de Córdoba, Sevilla, Valencia y Granada, debido a la Reconquista, dieron una mayor expansión a la música andalusí. wikipedia

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jueves, 19 de agosto de 2010

Juan Fernando Velasco

También cabe destacar al cantante contemporáneo Juan Fernando Velasco que ha incluido algunos pasillos en sus discos y han tenido mucha aceptación entre la audiencia nacional. Hoy en día el Tenor Rossiniano Roberto Estrella , ha tomado la música nacional ecuatoriana como parte de su repertorio. El futuro del pasillo dependerá del intéres que las nuevas generaciones le den a esta música, tal vez creando temas nuevos y reeditando los temas de la vieja guardia. El primer tenor ecuatoriano Marlon Valverde y el pianista Paco Godoy también ha realizado un importante trabajo discográfico llamado "Raíces, los mejores pasillos y sus mejores intérpretes" donde recopila pasillos ecuatorianos que han hecho historia como: Cantares del alma, Sendas distintas, Al oído, Despedida, Gotas de ajenjo, Esta pena mía, Rebeldía, Devuélveme la vida, Como el rocio, El aguacate, Anhelos, El alma en los labios, Un rosario de besos, Latidos, Un triste despertar, Corazón que no olvida, Romance de mi destino, Adoración, No te podré olvidar, Ojos tentadores, Lamparilla, Ángel de luz, Tu y yo, Pasional, Canción Azul, entre otras obras del mismo género compuestas en este siglo. Entre los nuevos compositores de pasillos sinfónicos académicos tenemos a Jorge Luis Valverde y Fernando Guerrero participantes constantes de PixelArts Music Composition Contest, compositores que han logrado una modernidad y fusión especial entre lo moderno ecuatoriano y la música académica. wikipedia

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el pasillo en Ecuador

Ecuador experimentó la popularidad del pasillo a principios del siglo XIX, y con el tiempo se convirtió en el símbolo musical de su nacionalismo. En este país existen sub géneros como: Pasillo costeño, Pasillo serrano; Pasillo de baile, pasillo rockolero o Pasillo de reto. El pasillo ecuatoriano, por su añoranza y nostalgia, es -de todos los países que lo difunden- el más conocido internacionalmente. En el Ecuador solo permanece el pasillo de movimiento lento y tonalidad menor. Existe una marcada diferencia entre el pasillo panameño y colombiano con el ecuatoriano. El pasillo colombiano tiene básicamente dos modalidades: el cadencioso y el fiestero, sus figuras son parecidas a las del Valzer pero más ligero y saltado. Por su parte, el pasillo ecuatoriano suele ser muy nostálgico y sentimental. Además, a partir de la segunda década del siglo XX, se han introducido al pasillo ecuatoriano poemas de escritores ecuatorianos.

El inicio de su masificación se dio con las primeras grabaciones realizadas por el legendario dúo Ecuador, compuesto por Enrique Ibáñez Mora y Nicasio Safadi, quienes inmortalizaron hermosas melodías que aun hoy se escuchan. El pasillo tuvo su máximo apogeo durante la vida del guayaquileño Julio Jaramillo, a quien se considera creador del pasillo rockolero y la actual música rockolera quien tuvo de Profesor a un gran compositor como lo es Carlos Rubira Infante, quien vive y sigue cantando en Ecuador y es el icono historico de Guayaquil, hace su programa todos los Sabado en Radio Candente 102.5 FM; creador de Esposa, Chica linda, Guayaquileño Madera de Guerrero, etc. Además cabe destacar a otros intérpretes y compositores de pasillos tales como Enrique Espín Yépez, los hermanos Miño Naranjo, el dúo Benítez - Valencia, Carlota Jaramillo, Los Brillantes, Hnos. Villamar, y otros. Después de la muerte de Julio Jaramillo no ha habido intérpretes del género que hayan podido destacarse en el ámbito internacional, llevando a la pérdida de interés por el pasillo entre la juventud quedando relegado como música para las anteriores generaciones que vieron el auge de este género musical. wikipedia

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el pasillo en Panamá

Como un ritmo de “alto linaje”, en contraposición con los que se escuchaban en los salones de la sociedad de la época. Ritmo proveniente del vals europeo (tiempo musical ternario, es decir, ¾) al que nuestros compositores le han dado un aire propio panameño. Es diferente en los diversos países, los ecuatorianos y colombianos también le han dado forma y estilo propios de ejecución, notoriamente diferentes del pasillo panameño y cada uno de ellos diferentes entre sí. En Panamá además de los instrumentos clásicos se usa el violín y la guitarra. Luego viene el pasillo con letra con una producción abundantísima de ellos en varios países, aunque la forma solamente instrumental se sigue cultivando por varios de los más refinados compositores de la época. El más famoso de los pasillos Panameños,“El Suspiro de una Fea” de Vicente Gómez Gudiño, es un pasillo con letra. Igualmente, a principios del siglo XX se amplía su instrumentación con “vientos y percusión”: flauta, clarinete, tuba, guaches, chuchos, cucharas y otros.

El pasillo panameño es muy similar al colombiano pero tiene características muy utilizadas como la de mezclar en un mismo pasillo las dos modalidades. Otras características muy utilizadas en el pasillo panameño es el ritmo con un aire a estilo mejoranero, dependiendo del gusto del interprete de la guitarra. wikipedia

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jueves, 12 de agosto de 2010

Tipos de Guabina

Existen 3 tipos fundamentales de guabina: La "Guabina Cundiboyacense", de los departamentos de Boyacá y Cundinamarca. La "Guabina Veleña", de la provincia de Vélez en el departamento de Santander; y La "Guabina Tolimense o (Bunde)" también de los departamentos de Huila pero especialmente del Tolima. Su nombre no tiene una exacta definición; la palabra guabina se utiliza para referirse a una persona simple; para llamar a un tipo de pez en los llanos orientales; y como nombre para una herramienta usada por los campesinos para castigar a los animales domésticos. wikipedia

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Guabina

La guabina es una danza y un género musical colombiano propios de la región andina de Colombia y del cual hacen parte departamentos como Antioquia, Santander, Boyacá, Cundinamarca, Tolima y Huila, en los cuales se practican y constituyen muestras representativas del ritmo. wikipedia

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Bambucos colombianos típicos

Los personajes que más contribuyeron a la expansión del bambuco en Colombia fue el tolimense Cantalicio Rojas con innumerables piezas como el bambuco tradicional "Ojo al toro"[5] o el bambuco fiestero "Canta un pijao"[6] emblemático del Tolima y otros como, "El barcino"[7] y "María Manuela"[8] del huilenses Jorge Villamil y el del músico Pelón Santamarta, con la obra Antioqueñita[9] que se considera una pieza emblemática del bambuco en en el departamento de antioquia. También se encuentra el risaraldense Luis Carlos Gonzales, que compuso mas de 100 bambucos entre ellos "La Ruana", "Compañero", "Mi Casita", "Pereira" y "Callecita Morena".

En la actualidad se cuenta con nuevos cultores de los diferentes ritmos de la región andina colombiana entre estos el maestro Gentil Montaña con obras como "El tolimense"[10] o el maestro Luis Enrique Aragón Farkas con gran número de composiciones entre ellas, "Como si fueras La Luna".[11] Un enfoque actual propone Carlos Morean con su pieza El bambuquito,[12] también se cuenta con el pianista y compositor bogotano Germán Darío Pérez Salazar que promueve en el trabajo con las dos agrupaciones que dirige:Trío Nueva Colombia y Síncopa-Cinco wikipedia

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lunes, 2 de agosto de 2010

Influencia peruana y mexicana

Durante mediados de los 80's, comienzan a llegar a la discografía argentina éxitos de grupos que también poseían el uso de acordeón del norte, desde México, llega el Conjunto Acapulco Tropical, y Dulce Rosario y Los Sepultureros agrupaciones formadas en los años 70's que usaban acordeón y guitarra eléctrica, así también desde el Perú llegan Cuarteto Continental, Cuarteto Universal y Los Continentales que también usaban acordeón y el estilo característico de guitarra eléctrica, también de éste último país se comienzan comercializar de manera importante una derivación de la cumbia peruana llamada Cumbia Selvática ó amazónica a través de los éxitos internacionales del grupo Los Mirlos que serían junto con los demás grupos, introducidos del norte parte de la futura "Movida tropical" a través de disqueras como "CBS" y de "Industrias eléctricas y musicales Discos Odeón de Argentina" algunas peruanas como Industria Fonográfica Peruana S.A. de C.V. mediante convenios con las extranjeras.

En años recientes la cumbia sonidera proveniente del centro de México se ha fusionado con el estilo de cumbia peruana para formar la actual cumbia villera, aunque por separada de éstas, hay grupos que musicalizan con aceptación en el mercado argentino el estilo sonidero con grupos formados en la Argentina como Jambao aunque una década atrás había otros del estilo como Los del garrote. wikipedia

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Consolidación de la cumbia argentina

La creación y consolidación de la cumbia argentina en los años sesenta y setenta hizo que se exportara su repertorio de temas hacia el norte del continente, llegando a Venezuela, Perú, Colombia y México países donde se realizarían regrabaciones de temas en diferentes décadas y estilos de cumbia locales tanto que el cantante Hernán Rojas de la agrupación Los Wawancó grabó para Discos Fuentes de Colombia a lado de la agrupación colombiana llamada Los Warahuaco el tema "El pescador de Barú" entre otros temas. Hacia la Argentina llegaban éxitos de agrupaciones colombianas principalmente, pero la más popular hasta la actualidad es el Cuarteto Imperial una agrupación formada en los años 60's en Colombia para finalmente años después radicar en Argentina, muy posteriormente se conocerían las agrupaciones peruanas y mexicanas.

Así pues, sus raíces musicales son varias, pero más firmemente de la cumbia peruana de la cual toma el estilo de uso de la guitarra eléctrica (que no es único dentro de los diferentes subgéneros de cumbia),[2] de la cumbia colombiana tomando de allí el sonido del acordeón (aunque en la Argentina es desconocido el tradicional acordeón vallenato diatónico, utilizándose en su lugar el acordeón a piano) y en años recientes se integran sonidos y repertorios de la cumbia mexicana.

Más tarde aparecerían diversas agrupaciones populares de la cumbia argentina como Los Palmeras, Gilda, Lía Crucet entre muchos otros que formaban parte de la movida tropical como se le conoce a todo el género de cumbia.

Aunque como otras variantes como la cumbia boliviana, la cumbia argentina no se había consolidado con un estilo tal que la distinguiera de las otras hasta su evolución y creación de la cumbia villera en la década de los 2000. wikipedia

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Cuarteto y música tropical

A fines de los años cuarenta comienzan a hacerse conocer cantantes y grupos de «cuarteto cordobés», como El Cuarteto Leo, El Cuarteto Berna y El Cuarteto de Oro. Desde los años cincuenta se vivía en Argentina un proceso de migración interna que confluía en el cordón industrial de Buenos Aires. Así confluían géneros del interior del país (de Santiago del Estero, las provincias del Litoral —Corrientes, Entre Ríos, Misiones—), de Santa Fe y de Córdoba.

Desde esas mismas regiones arribarían más tarde los primeros grupos para trabajar en la capital del país.

Los más representativos de los años sesenta fueron El Cuarteto Imperial (de Colombia) y Los Wawancó, que entraron al país desde 1964. También el santafesino Chico Novarro (que más tarde se volvería bolerista y tanguero) wikipedia


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Cumbia argentina

La Cumbia argentina es un subgénero de la cumbia originaria de Colombia, variante y adaptación de ésta música en la Argentina.La República Argentina al igual que otros países del continente, a partir de mediados del siglo XX se escuchaban diversos géneros tropicales provenientes del norte de Sudamérica, Centroamérica y México. La influencia de estos ritmos hace que surgieran en el país, artistas de estilo llamado en un primer término como «música tropical», empezandose a conocerse la denominada Cumbia Argentina, la que se distinguía de la original colombiana, ya que se fusionaron con los ritmos locales como el chamamé y el tango, entre otros de los cuales su dotación instrumental en cuanto a algunos sonidos era parecida uniéndose a la cumbia. Otra característica particular de la cumbia argentina es la inclusión del flamenco dentro de su musicalización, así surgen grupos como Chico Novarro y Los Wawancó como fusión de éstos ritmos, siendo los más representativos de los años 60's con una musicalización de la cumbia ya como cumbia argentina diferenciada, un ejemplo de ésta fusión argentina de flamenco y cumbia es el tema "Mira, mira" conocido en el resto del continente como "Cumbia de las castañuelas", esto aunado a la llegada de los éxitos del grupo colombiano Cuarteto Imperial que utilizaba acordeón, que también era de sonido similar dentro de la música argentina, fue más fácilmente asimilado y adaptado en el mercado local, consolidando la expansión de la música tropical en el gusto popular. wikipedia

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La cumbia Difusión, introducción al extranjero y adaptaciones regionales

La primera cumbia grabada para comercializar, en 1950, era ejecutada con caña de millo y tamboras.

Las cumbias han tenido gran impacto nacional e internacional, ya que han sido cantadas y orquestadas, contrario a la verdadera y auténtica ejecución como corresponde a los grupos de milleros y de tambores o la llamada "cumbia clásica".

En 1953, se lanza "Flamenco" una cumbia compuesta por el soledeño Efraín Mejía. A principios de 1955, aparece el conjunto típico Cumbia de Juan Corralito, el cual graba en un disco por lado y lado una cumbia y la “puya arranca pellejo”. En este mismo tiempo, surgió la cumbia de Antonio Lucía Pacheco, quien grabó la pieza musical “Once de Noviembre". A principios de los años de 1950, el maestro Lucho Bermúdez había lanzado "Danza Negra", una cumbia cantada por Matilde Díaz, que también se llamó la "cumbia colombiana" por que lleva dicho nombre en sus estrofas varias y en la parte final.

En los años sesenta, agrupaciones tales como los Corraleros de Majagual, Los Hispanos, Los Graduados, llevan los ritmos colombianos a Argentina, El Salvador, México, Perú, Venezuela, entre otros, creando por músicos locales, diversas variantes de la cumbia que se fusionan a ritmos e idiosincrasia de cada nación, para agregarle a la cumbia el gentilicio que delimitaría los estilos hechos en los diversos países, así nacen los subgéneros Cumbia argentina Cumbia mexicana, Cumbia peruana, Cumbia salvadoreña,, etc. wikipedia

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jueves, 29 de julio de 2010

Nueva canción

La Nueva Canción es un movimiento musical latinoamericano que fue desarrollado por primera vez en el Cono Sur durante los años 1950 y 1960, pero que luego se extendió hacia América Central. Combina música popular tradicional y acordes rockeros, con letras a menudo progresistas y politizadas. Obtuvo gran popularidad, y puede considerarse como precursora del rock en español. wikipedia

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Vietnam

En el caso de Vietnam, antigua colonia francesa, se la puede incluir sobre todo su música que tiene un buen grado de popularidad. Durante colonización francesa también ha influenciado algo de los ritmos de su antigua metrópoli. La música folclórica de este país asiático y a la vez latino son las siguientes como los ritmos folclóricos como el Dai nhạc, Nhã nhạc, Hát chầu văn, Nhạc le, Nhạc dân tộc cải biên, Ca tru, Ca huê y Dan tai tu. Si bien también existe la música de teatro como Hát chèo, Hát tuồng, Hát Cải lương y Rối nước. wikipedia

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Venezuela

El llanero es un estilo musical popular de Venezuela originada en Los Llanos. También son típicos del país ritmos como la gaita zuliana y el joropo. Existe muchos otros estilos musicales como el calypso ritmo que llegó desde las antillas. El vals venezolano, el merengue venezolano y oriental, los famosos golpes de tambor de la costa y sus diferentes estilos musicales. El Chimbangle, la Fulía, etc El pasaje, tanto llanero como andino. la influencia española del paso doble. Aparte de la gaita en navidad, también existen los aguinaldos y parrandas. Durante los años 70s se creó un estilo por el compositor venezolano Aldemaro Romero, llamado Onda Nueva. con música pop wikipedia

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martes, 20 de julio de 2010

Libre improvisación


Artículo principal: Libre improvisación

Libre improvisación o improvisación libre es música improvisada en muchos casos sin reglas previas establecidas, secuencias de acordes o melodías previamente acordadas. Aveces los músicos realizan un esfuerzo activo para evitar referenciar a géneros musicales reconocibles. La libre improvisación, como estilo de música, se desarrolló en Europa y EEUU en la mitad y fines de la década de 1960 en mucho en respuesta o inspirado por el movimiento del free jazz así como por la música clásica contemporánea. Entre los artistas más reconocidos dentro de este estilo están los saxofonistas Evan Parker y Peter Brötzmann, el guitarrista Derek Bailey, y el grupo improvisacional británico AMM.

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Neotonalismo


El neotonalismo surge en la segunda mitad del siglo XX como reacción ante el atonalismo. Dentro de este género se engloban compositores que utilizan de nuevo la tonalidad después de que ésta fuese marginada en gran medida por las corrientes del género atonal contemporáneo. El neotonalismo es un movimiento muy amplio que unifica y mezcla estilos muy diferentes, entre los cuales se pueden citar como subgéneros de éste, el eclecticismo (o poliestilismo) y el neorromanticismo citados más arriba. Un mismo compositor neotonal puede contar dentro de su producción musical con obras neorrománticas, electrónicas o ecléctricas. En este género también se emplean técnicas modernas como la electroacústica y aparecen influencias ajenas a la música clásica tradicional como pueden serlo el jazz, la música de cine, étnica, e incluso el propio atonalismo del siglo XX, confiriendo no sólo una gran riqueza a este tipo de composición sino una libertad de expresión que quedó truncada con la imposición de lo puramente atonal en la segunda mitad del siglo. Existen muchos compositores, quienes habiendo iniciado sus composiciones en el ámbito atonal, han regresado a esta forma, incluyendo elementos tradicionales que son de una mayor aceptación por el público. Baste como ejemplos de compositores actuales neotonales los citados más arriba: John Corigliano, John Rutter, Arvo Pärt, Henryk Górecki y Astor Piazzolla. Y los españoles Pedro Iturralde, Manuel Alejandre, Juan J. Colomer y Román Alís.

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Neorromanticismo

Neorromanticismo

El resurgimiento del vocabulario de la nueva tonalidad que floreció en los primeros años del siglo XX continúa en el período contemporáneo, aunque no se le considera chocante o controvertido como tal. Compositores que trabajan en la vena neorromántica son, por ejemplo, George Rochberg y David Del Tredici. En la parte final del siglo XX y comienzos del XXI, encontramos un nuevo resurgimiento del neorromanticismo en Europa.


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Música electrónica


Artículo principal: Música electrónica

Surgida en la década del cincuenta, con el uso de osciladores electrónicos. No confundir con la "música pop electrónica" (de los años ochenta, posterior al rock, de guitarras eléctricas, etc.), ni con la creada por un ordenador o secuenciador al necesitarse una velocidad y exactitud imposible para un intérprete humano). La electrónica es ahora parte de la corriente principal de creación musical. La interpretación de obras ahora a menudo utiliza sintetizadores midi para acompañar o reemplazar algunos músicos o instrumentos. Los procesos de loopeo, toma de muestras (sampling) y el empleo (rara vez) de baterías electrónicas también está incluido. Sin embargo, la antigua idea de la música electrónica —como una búsqueda de sonido puro y una interacción con el equipo en sí— continúa encontrando un lugar en la composición, desde piezas comercialmente exitosas hasta obras dirigidas a oyentes muy selectos.

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Tonalidad posclacisista y Experimentación

Tonalidad posclacisista

Otro aspecto de posmodernidad se puede encontrar en la tonalidad «posclasicista» a la que están dedicados compositores como Michael Daugherty y Tan Dun.

[editar] Eclecticismo

Con un amplio rango de estilos de interpretación, muchos compositores contemporáneos trabajan combinando estilos, una técnica llamada poliestilismo, o combinando incluso múltiples géneros musicales. Un compositor muy influyente de este tipo es Frank Zappa, y en círculos más jazzisticos John Zorn.

[editar] Experimentación

Artículo principal: Música experimental
Artículo principal: Música alternativa

Un movimiento importante de la música contemporánea involucra la expansión de los gestos disponibles a los instrumentistas, como por ejemplo en la obra de George Crumb. El Kronos Quartet se encuentra entre los conjuntos más activos que promueven la música contemporánea para cuarteto de cuerdas, y se deleitan con la música que estira las maneras de obtener sonidos de sus instrumentos.


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John Adams

Muchos compositores están expandiendo los recursos de la música minimalista al incluir ritmos e instrumentos propios del rock y la música étnica (World Music), serialismo, y muchas otras técnicas. Kyle Gann considera los Time Curve Preludes de William Duckworth como la primera pieza «posminimalista», y considera a John Adams como un compositor «posminimalista» y no minimalista. Gann define el «posminimalismo» como la búsqueda de una mayor complejidad armónica y rítmica por compositores tales como Mikel Rouse, Roberto Carnevale y Glenn Branca. El posminimalismo es también un movimiento artístico en pintura y escultura que empezó a fines de los años sesenta.
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Minimalismo y posminimalismo

Minimalismo y posminimalismo

La generación minimalista todavía cumple un papel importante en la nueva composición. Philip Glass ha continuado expandiendo su ciclo sinfónico, mientras que On the Transmigration of Souls de John Adams (una obra coral en conmemoración de las víctimas de los atentados del 11 de septiembre de 2001) ganó un Premio Pulitzer. Steve Reich ha explorado la ópera electrónica y Terry Riley ha continuado activo escribiendo música instrumental. Pero más allá de mismos minimalistas, los tropos de la armonía triádica no funcional son ahora un lugar común, incluso en compositores que no son reconocidos como minimalistas propiamente dichos.

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Conceptualismo

Poliestilismo

Poliestilismo es el uso de múltiples estilos o técnicas musicales, y es considerado una característica posmoderna. Compositores poliestilísticos son, por ejemplo, Lera Auerbach, Luciano Berio, William Bolcom, Sofia Gubaidulina, Hans Werner Henze, George Rochberg, Arturo Rodas, Magaly Ruiz, Frederic Rzewski, Alfred Schnittke, Dmitri Silnitsky, Valentín Silvestrov, Ezequiel Viñao, Frank Zappa y John Zorn.

[editar] Conceptualismo

Cuando Marcel Duchamp colocó un urinario en un museo de arte, produjo el golpe más visible del arte conceptual. Una obra conceptual es un acto cuya importancia musical se obtiene del marco más que del contenido de la obra. La música conceptual encontró a su mejor representante en John Cage. Un ejemplo puede ser la obra 4’ 33” (John Cage, 1952) que consiste sólo de silencios, la cual presentó el famoso pianista David Tudor que se sentó al piano sin tocarlo realmente en ningún momento durante los 4 minutos y 33 segundos. Otra obra importante de este estilo es 56 Blows (de Alvin Singleton), una obra que tiene la particularidad de haber sido mencionada en un debate en el Senado de EE. UU.

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Postmodernismo


El postmodernismo es una influencia fuerte en la música contemporánea. Un crítico señaló que una manera fácil de encontrar «postmodernismo» es buscar la palabra «nuevo» o los prefijos neo- o pos- en el nombre de algún movimiento. Sin embargo, en una era de los medios, de las presentaciones sistemáticas, y las relaciones de poder siguen siendo la realidad dominante para la mayoría de las personas nacidas en las principales naciones industrializadas, el postmodernismo parece mantenerse como el modo más común de la expresión artística.

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Movimiento Moderno


Muchas de las figuras claves del Movimiento Moderno están vivas aún o han fallecido recientemente, y en la actualidad existe un núcleo de compositores, intérpretes y aficionados extremadamente activos que continúan llevando las ideas y formas del modernismo. Elliott Carter, por ejemplo, está activo aún, al igual que Lukas Foss. Si bien grandes escuelas de composición moderna, como la del serialismo, no son ya el centro de la discusión teórica, el período contemporáneo está iniciando el proceso de ordenación del conjunto de elementos del modernismo en busca de obras suficientemente valiosas para ser incluidas en los repertorios.

El modernismo también se encuentra en la superficie o en obras de un gran número de compositores, ya que la atonalidad ha perdido mucha de su habilidad para aterrorizar a los auditorios, y puesto que hasta la música de películas utiliza secciones de música claramente enraizadas en el lenguaje de la música modernista. La lista de compositores modernistas activos incluye a Thomas Adès, Harrison Birtwistle, Alexander Goehr, Magnus Lindberg, Gunther Schuller y Judith Weir.

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Dificultades

Toda historia es provisional, y la historia contemporánea lo es aún más, debido a los bien conocidos problemas de diseminación y poder social. Quiénes están «arriba» y quiénes «abajo» es, a menudo, más importante que la música misma. En una era que quizá tenga, por ejemplo, no menos de 40.000 compositores de música orquestal sólo en EE. UU, los estrenos son difíciles, y las reposiciones de obras aún más. La lección de desconocidos compositores del pasado que se hacen famosos después se aplica doblemente a los compositores contemporáneos, donde posiblemente habrá «primeros» anteriores a la lista oficial de los primeros compositores de un estilo, y sus obras serán posteriormente admiradas como ejemplos de esos estilos, aunque en su tiempo no sean reconocidas como tales.
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Inicios

A comienzos del siglo XX la música contemporánea incluía el serialismo dodecafónico, la atonalidad, un mayor número de disonancias sin resolución, la complejidad rítmica y la música del neoclasicismo. La música contemporánea de los años cincuenta en general implicaba alguna forma de serialismo; en los años sesenta, serialismo, indeterminación, y música electrónica, incluyendo música por computadoras, arte mixto, performance y el grupo Fluxus; y desde entonces, música minimalista, posminimalista y todas las anteriores.

La difusión de partituras por Internet está generando una nueva etapa de intercambio y enriquecimiento de la música actual. Es demasiado pronto aún para decir cuál será el resultado final del efecto que tendrá esta ola de computarización sobre la música.

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moderno

Se ha utilizado el término «contemporáneo» como sinónimo de «moderno», particularmente en medios académicos, mientras que otros son más restrictivos y se lo aplican sólo a los compositores que están vivos y a sus obras. Ya que es una palabra que describe un marco de tiempo más que a un estilo o idea unificadora en particular, no existe un acuerdo universal acerca de cómo hacer estas distinciones.

Existen numerosos festivales dedicados a la música contemporánea, entre ellos el Donaueschingen, el Huddersfield Contemporary Music Festival o, en España, el Ciclo de Música Contemporánea de Málaga.

Podemos encontrar música contemporánea en las bandas sonoras de películas y música incidental, como El tigre y el dragón de Tan Dun, Las horas de Philip Glass, El Señor de los anillos de Howard Shore y el tema de la campaña publicitaria de De Beers de Karl Jenkins.

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música contemporánea

En los contextos de las música clásica europea, la música contemporánea es la que se ha escrito en los últimos cincuenta años, particularmente después de los años sesenta. En un sentido más amplio, música contemporánea sería cualquier música que se escribe en el presente. Es materia de un arduo debate si el término se debería aplicar a música de cualquier estilo, o si se le aplica exclusivamente a los compositores de música de vanguardia, o música «moderna».
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Bartok

Estudió en Presburgo (ahora Bratislava, Eslovaquia) y en Budapest, donde enseñó piano en la Real Academia de Música (1907–1934) y trabajó en la Academia de Ciencias (1934–1940). En 1940 Bartók emigró a Estados Unidos por razones políticas. Realizó investigaciones en la Universidad de Columbia (1940–1941) y enseñó música en la ciudad de Nueva York, donde vivió con serias dificultades económicas. Murió de leucemia el 26 de septiembre de 1945 en Nueva York.
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Schonberg

  • Arnold Schönberg (1874–1951), compositor austriaco vienés de origen judío de música clásica del periodo moderno (1900–1950). Uno de los músicos más grandes del siglo XX; es, junto con Ígor Stravinski y Béla Bartók, el compositor más importante e influyente de la primera mitad del siglo XX y una figura clave, junto con Monteverdi, Bach, Beethoven y Wagner, en la evolución de la música académica occidental.

Es reconocido como uno de los primeros compositores en adentrarse en la composición atonal, y especialmente por la creación de la técnica del dodecafonismo basada en series de doce notas, abriendo la puerta al posterior desarrollo del serialismo y del método cancrizante o del espejo de la segunda mitad del siglo XX. Además fue fundador de la Segunda Escuela de Viena.

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Impresionismo

El Impresionismo musical es un movimiento musical surgido a finales del siglo XIX y principios del XX sobre todo en la música francesa, con la necesidad de los compositores de probar nuevas combinaciones de instrumentos para conseguir una mayor riqueza tímbrica. En el Impresionismo musical se da mucha importancia a los timbres, con los que se consiguen diferentes efectos. También se caracteriza porque los tiempos no son lineales sino que se ejecutan en sucesión de impresiones. Se relaciona de esta manera con el Impresionismo pictórico, que conseguía las imágenes mediante pequeñas pinceladas de color. Dos de los principales compositores de este movimiento son Claude Debussy y Maurice Ravel.

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Shostakovich

El realismo socialista fue, en cierto modo, una reacción contra los estilos burgueses anteriores a la revolución, convirtiéndose en política oficial del Estado en 1932 al promulgar Iósif Stalin el decreto de reconstrucción de las organizaciones literarias y artísticas. Se fundó la Unión de Escritores Soviéticos para promover esta doctrina y la nueva política fue consagrada por el Congreso de Escritores Socialistas de 1934, para ser a partir de entonces estrictamente aplicada en todas las esferas de la producción artística. El 10 de febrero de 1948, se dictó el llamado decreto Zhdánov, que marcó el comienzo de una campaña de críticas y descalificaciones contra muchos compositores soviéticos, entre ellos Vano Muradeli, Dmitri Shostakovich, Serguéi Prokófiev y Aram Kachaturian. Posteriormente el gobierno de Stalin pasaría a apoyar a alguno de dichos artistas, llegando Shostakovich y Prokófiev a recibir el Premio Stalin.
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Música del realismo socialista


El realismo socialista es una corriente estética cuyo propósito es llevar los ideales del comunismo al terreno del arte. Fue la tendencia artística predominante durante gran parte de la historia de la Unión Soviética, particularmente durante el gobierno de Iósif Stalin.

Las corrientes vanguardistas eran vistas como un natural complemento para las políticas revolucionarias; en las artes visuales florecía el constructivismo y en poesía y música se elogiaban las formas no tradicionales y vanguardistas, como el caso de la ópera atonal La nariz, de Shostakovich, basada en el relato homónimo de Gógol Sin embargo, esta situación no tardó en generar críticas de algunos elementos del Partido Comunista, que rechazó estilos modernos como el impresionismo, el surrealismo, el dadaísmo y el cubismo, debido a los principios subjetivistas que subyacían a ellos (el subjetivismo chocaba frontalmente con la aspiración objetiva del materialismo dialéctico) y a los temas que trataban (el realismo socialista sólo consideraba relevantes los temas relacionados con la política y los trabajadores).

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Manifiesto futurista

Los primeros trabajos futuristas en el campo de la música empezaron en 1910, mismo año en que se firma el Manifiesto de los músicos futuristas. Los principales compositores futuristas fueron Francesco Balilla Pratella y Luigi Russolo.

Russolo concibe el «arte de los ruidos» como una consecuencia a los estudios previamente realizados por Pratella. La «música de ruidos» fue posteriormente incorporada a las performances, como música de fondo o como una especie de partitura o guía para los movimientos de los intérpretes. Russolo fue el antecedente de la «música concreta», un lenguaje sonoro en el cual se utilizaba cualquier sonido, fuese este uno producido por la naturaleza o por la técnica (técnica gutural, fuesen palabras o un lenguaje inarticulado).

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Futurismo


El futurismo fue uno de los movimientos iniciales de vanguardia en la Europa del Siglo XX. Esta corriente artística fue fundada en Italia por el poeta italiano Filippo Tommaso Marinetti, quien redacta el Manifeste du Futurisme, y lo publica el 20 de febrero de 1909 en el diario Le Figaro de París.

Este movimiento buscaba la ruptura con las tradiciones artísticas del pasado y los signos convencionales de la historia del arte. Intentó enaltecer la vida contemporánea, esto por medio de dos temas principales: la máquina y el movimiento. El futurismo recurría a cualquier medio de expresión; artes plásticas, arquitectura, poesía, publicidad, moda, cine y música; con el fin de construir de nuevo el perfil del mundo.

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sábado, 26 de junio de 2010

Los Martínez

Los Martínez iniciaron en la música desde Santander, especialmente, en la interpretación de temas religiosos. Pese a cursar estudios profesionales, se dedicaron de tiempo completo a la música. Sus épocas más recordadas fueron en Radio Santa Fe, con el Nocturnal Colombiano y en la agrupación Los Maestros dirigida por Jaime Llano González. Hoy también se le rinde un especial homenaje al recientemente fallecido Jaime Martínez, fundador de este dueto junto con su hermano Mario y que deja el legado para su familia.

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Jaime Llano Gonzáles

Jaime Llano Gonzáles es un antioqueño nacido en Titiribí, Antioquia, en 1932. La influencia de su madre lo llevó hacia la música y desde corta edad perfeccionó el manejo del tiple y del órgano. Realizó sus primeros estudios académicos en Medellín y luego se inclinó por la medicina, la cual abandonaría para dedicarse de lleno a su pasión: la música.

En 1968 se dedicó de lleno a su carrera musical, convirtiéndose en el principal intérprete al órgano del país. A los largo de su carrera profesional ha trabajado en varios programas de televisión, grabado más de 80 discos y participado en cientos de presentaciones en Colombia y el mundo, llevando siempre la música y la imagen de Colombia a los más importantes escenarios musicales internacionales.

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Silva y Villalba

Rodrigo Silva y Álvaro Villalba se conocieron en una noche de viernes y de parranda de 1967, en El Espinal, Tolima. En medió de un duelo de canciones entre los dos artistas, alguien les propuso que mejor cantaran una canción juntos. Los músicos aceptaron y fue tanto el impacto que causó la suma de las dos voces, que en esa noche nació el dueto de Silva y Villalba.

Han realizado giras al lado de María Dolores Pradera, Javier Solís, Carlos Julio Ramírez, Berenice Chávez, Daniel Santos, Yaco Monti, Los Visconti, Los Cuyos, Hervé Vilard y Alicia Juárez, entre una gran constelación de artistas.

Este gran dueto que ha grabado más de quinientas canciones, es recordado por temas como 'Oropel', 'Espumas', 'Llamarada', 'Los guaduales', 'Al sur', 'Viejo Tolima', 'El Bucanero', 'Se murió mi viejo', entre muchos otros.

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La historia del maestro Willie Colón

La historia del maestro Willie Colón comienza en el año 1967. Cabe anotar que el despegue del proyecto musical de Willie Colón se debió, en gran medida, a su junte con el cantante ponceño Héctor Lavoe, quien llegó a él por recomendación del veterano músico Johnny Pacheco y junto a quien creó el binomio más importante de la salsa.

Junto al denominado "Cantante de Cantantes", elevó su propuesta al máximo renglón de las escenas musicales, sobre todo porque se logró hilCalvanar un nuevo concepto musical que combinó el tono pícaro e hiriente de la voz de Lavoe y su apego a las melodías de la canción tradicional boricua, con el interés del osado trombonista de proyectar en su trabajo la evocación nostálgica del sonido de las raíces de la música puertorriqueña, en unión al sonido fuerte y agresivo del mundo urbano que los abrigó.

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Therion

Therion es una banda sueca de metal sinfónico fundada por Christofer Johnsson en el año 1987. La palabra therion significa «bestia» en griego. Sin embargo, los miembros de la banda han declarado que el nombre es un tributo al álbum To Mega Therion, de Celtic Frost.


Empezaron componiendo e interpretando 'death metal', pero luego decidieron combinar ese género musical con unos toques orquestales y sinfónicos, utilizando coros y sonidos de música clásica.


Se trata de una de las primeras bandas en lograr un éxito comercial notable en la mezcla de heavy metal con sonidos orquestales ya que su álbum más vendido, Vovin, ha superado las 150.000 copias solo en Europa.


Las letras y la música de Therion tratan los siguientes temas: mitológicos, mágicos, el ocultismo, o las tradiciones y escritos mágicos de tiempos antiguos.

Esta vez regresan los músicos con su gira promocional a Colombia con dos fechas previstas, una en Bogotá y la otra en Medellín (10 de octubre), acompañados por el símbolo del metal Thomas Vikström cantante de Candlemass y un coro operático de tres cantantes.

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Scorpions

La banda acaba de publicar su álbum de estudio número 17 bajo el titulo de "Sting In The Tail", el cual ha recibido altísimas puntuaciones por parte de la prensa especializada y ha abierto el debate de porqué una banda en tan buen momento decide dar por terminada su ilustre carrera.

Esta es la primera visita de Scorpions a Colombia en más de cuarenta años de historia, un grupo que ha vendido alrededor de 100 millones de discos y que es considerado una de las más grandes e influyentes instituciones en la historia del rock.

Scorpions es una banda alemana de heavy metal/hard rock fundada en Hannover (Alemania) en 1965. La banda se destacó con canciones como «Wind of Change», « Still Loving You» o «Send Me an Angel». La actual formación esta conformada por Klaus Meine a las vocales, Matthias Jabs junto a Rudolf Schenker en las guitarras, Paweł Mąciwoda al bajo y James Kottak en la batería.


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The Adicts

The Adicts es una banda legendaria de punk rock británica, precursora de ese género en los años 80's, con más de 31 años de carrera musical. La agrupación siempre ha mantenido la misma filosofía y los mismos miembros que son: Keith Warren 'Monkey' (voz), Pete Dee (guitarra), Kid Dee (batería), Mel Ellis (bajo), John "Scruff" Ellis (guitarra), Danny Graziani alias 'Fiddle Dan' (violín, armónica, piano).


Sus inicios fueron en el año 1975 siendo su primer nombre Afterbirths; el siguiente año se cambiaron de nuevo de nombre pasando a ser Pinz, pero como había otra banda con el mismo nombre decidieron cambiarse de nuevo a Addicts. Otro año después decidieron que el mejor nombre sería The Adicts, una decisión que les causó algunos problemas con la prensa.


Después de 31 años juntos, y ya con un largo recorrido y varias experiencias, The Adicts decide en el 2009 de lanzar un nuevo álbum con el sello discográfico de People Like You, titulado 'Life Goes On', disco por el cual está de gira.

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Alejandro Fernández

Alejandro Fernández es un cantante mexicano que ha interpretado canciones de distintos géneros que van desde la música ranchera, mariachi, pop latino hasta la balada romántica con los cuales ha logrado vender 20 millones de copias en el mundo.


Ha cantado junto a otros artistas como Joan Sebastian, Gloria Estefan, Julio Iglesias, Miguel Bosé, Yuri, Franco De Vita, Diego "El Cigala", Beyoncé Knowles y Nelly Furtado. En 2005, participó en un concierto junto a los tenores Plácido Domingo y José Carreras. Participó igualmente en una gira internacional junto a Chayanne y Marc Anthony, creando un símbolo de la expresión musical latina.


Su carrera ha seguido constante ascenso y reconocimiento, con el pasar de los años. El enorme aparato publicitario de la disquera «Sony Music», así como los contactos de Vicente Fernández en televisión, han sido la base de la proyección de este cantante, quien con una imagen 'metrosexual' además de un repertorio variado ha logrado gran popularidad en México y Latinoamérica.

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Marc Anthony

Marc Anthony es un cantante puertorriqueño que interpreta sobre todo salsa y más recientemente también de baladas románticas, pop y hasta tango. Dio el salto internacional gracias a Paul Simon, al que considera su maestro y mentor.


El cantante está cazado con la cantante estadounidense Jennifer Lopez. Marc Anthony confesó que siempre ha estado enamorado de la artista y que ella es la misteriosa 'Lola' a quién le dedicó varios de sus discos y canciones.

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Neurosis

La banda Neurosis fue conformada en Bogotá en 1987 por Jorge Mackenzie, ex integrante de Darkness. En un principio la banda interpretaba versiones de grupos como Slayer, Venom, o Kreator. Luego la banda empezó a componer temas propios, los cuales serían seleccionados para grabarse en el demo Más allá de la demencia.


Dentro de los reconocimientos que ha tenido Neurosis, se destacan cinco presentaciones en el festival Rock al Parque (1998, 2003, 2005, 2006 y 2009), dos nominaciones a los Premios Shock en la categoría de mejor banda de metal de Colombia, un premio Subterránica a mejor banda de metal (2007) y otro a Jorge Mackenzie por "Toda una Vida Dedicada al Metal" (2008).



Witchtrap es una banda thrash metal conformada en Medellín por los hermanos Witchhammer (batería) y Ripper (guitarra y voz). Ambos hacian parte de la banda 'Dark Millenium', pero decidieron cambiar de grupo por las grandes influencias de los años 80; heavy y thrash metal.

Athanator, una banda igualmente originaria de Medellín, fue formada en 1989. La agrupación de thrash y death metal está conformada hoy en día por Jaime Ocampo (guitarra y voz), Enrique Ramírez (bajo), Eder Zapata (guitarra) y Julian Mejia (batería).



Masacre es un grupo death metal de la ciudad de Medellín formado en 1988. Actualmente esta integrado por Alex Okendo (voz), Jorge Londoño (guitarras), Alvaro Álvarez (Bajo) Mauricio Londoño (Batería).

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Job for a Cowboy

Job for a Cowboy es una banda de death metal/deathcore formada en Glendale, Arizona en el 2003. La banda comenzó como un grupo de 'deathcore', y evolucionó hasta convertirse en un sonido predominantemente del género con su debut de larga duración Génesis. Sus influencias son bandas como Decapitated, Hate Eternal, Mastodon, Nile, The End.


Han sido definidos por The New York Times como "una banda de Arizona con un gutural, de fuerza bruta descendientes del sonido (indirectamente) del hardcore punk" y "simple acto brutal" por la revista Rolling Stone.


La banda ha tocado en varios festivales, incluyendo Download Festival, Sounds of the Underground y Wacken Open Air. Los actuales miembros de la banda son el vocalista Jonny Davy, los guitarristas Al Glassman y Bobby Thompson, el bajista Brent Riggs y el baterista Jon Rice.

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Hypocrisy

Hypocrisy es una banda originaria de Ludvika (Suecia) formada en 1990. La agrupación de 'death metal' esta conformada por Peter Tägtgren (voz y guitarra), Mikael Hedlund (bajo), Horgh (batería) y Klas Iceberg (guitarra).

El grupo ya había tocado en Bogotá en marzo del año 2004 y regresa esta vez con 13 nuevos temas listos que forman parte del nuevo CD que esta promocionando; 'A Taste of Extreme Divinity'.

Musicalmente la banda tocaba un death metal puro y tradicional, con tintes de black metal, en sus dos primeros trabajos, para llegar a un metal más melódico al pasar los años. La letra de las canciones (escritas al comienzo por Masse Broberg, el primer vocalista de la banda) era satánica y anticristiana. Sin embargo, la banda decidió orientarse en otros temas como el paranormal y los extraterrestres, momento en el que Masse partió de la banda para ser bajista en Dark Funeral. 'Virus' el décimo disco tenía en cambio un contenido típico del 'death metal'; violencia, horror, tortura, guerra, drogas y problemas emocionales.

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