Los Martínez iniciaron en la música desde Santander, especialmente, en la interpretación de temas religiosos. Pese a cursar estudios profesionales, se dedicaron de tiempo completo a la música. Sus épocas más recordadas fueron en Radio Santa Fe, con el Nocturnal Colombiano y en la agrupación Los Maestros dirigida por Jaime Llano González. Hoy también se le rinde un especial homenaje al recientemente fallecido Jaime Martínez, fundador de este dueto junto con su hermano Mario y que deja el legado para su familia.
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sábado, 26 de junio de 2010
Jaime Llano Gonzáles
Jaime Llano Gonzáles es un antioqueño nacido en Titiribí, Antioquia, en 1932. La influencia de su madre lo llevó hacia la música y desde corta edad perfeccionó el manejo del tiple y del órgano. Realizó sus primeros estudios académicos en Medellín y luego se inclinó por la medicina, la cual abandonaría para dedicarse de lleno a su pasión: la música.
En 1968 se dedicó de lleno a su carrera musical, convirtiéndose en el principal intérprete al órgano del país. A los largo de su carrera profesional ha trabajado en varios programas de televisión, grabado más de 80 discos y participado en cientos de presentaciones en Colombia y el mundo, llevando siempre la música y la imagen de Colombia a los más importantes escenarios musicales internacionales.
Silva y Villalba
Rodrigo Silva y Álvaro Villalba se conocieron en una noche de viernes y de parranda de 1967, en El Espinal, Tolima. En medió de un duelo de canciones entre los dos artistas, alguien les propuso que mejor cantaran una canción juntos. Los músicos aceptaron y fue tanto el impacto que causó la suma de las dos voces, que en esa noche nació el dueto de Silva y Villalba.
Han realizado giras al lado de María Dolores Pradera, Javier Solís, Carlos Julio Ramírez, Berenice Chávez, Daniel Santos, Yaco Monti, Los Visconti, Los Cuyos, Hervé Vilard y Alicia Juárez, entre una gran constelación de artistas.
Este gran dueto que ha grabado más de quinientas canciones, es recordado por temas como 'Oropel', 'Espumas', 'Llamarada', 'Los guaduales', 'Al sur', 'Viejo Tolima', 'El Bucanero', 'Se murió mi viejo', entre muchos otros.
La historia del maestro Willie Colón
La historia del maestro Willie Colón comienza en el año 1967. Cabe anotar que el despegue del proyecto musical de Willie Colón se debió, en gran medida, a su junte con el cantante ponceño Héctor Lavoe, quien llegó a él por recomendación del veterano músico Johnny Pacheco y junto a quien creó el binomio más importante de la salsa.
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Junto al denominado "Cantante de Cantantes", elevó su propuesta al máximo renglón de las escenas musicales, sobre todo porque se logró hilCalvanar un nuevo concepto musical que combinó el tono pícaro e hiriente de la voz de Lavoe y su apego a las melodías de la canción tradicional boricua, con el interés del osado trombonista de proyectar en su trabajo la evocación nostálgica del sonido de las raíces de la música puertorriqueña, en unión al sonido fuerte y agresivo del mundo urbano que los abrigó.
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Therion
Therion es una banda sueca de metal sinfónico fundada por Christofer Johnsson en el año 1987. La palabra therion significa «bestia» en griego. Sin embargo, los miembros de la banda han declarado que el nombre es un tributo al álbum To Mega Therion, de Celtic Frost.
Empezaron componiendo e interpretando 'death metal', pero luego decidieron combinar ese género musical con unos toques orquestales y sinfónicos, utilizando coros y sonidos de música clásica.
Se trata de una de las primeras bandas en lograr un éxito comercial notable en la mezcla de heavy metal con sonidos orquestales ya que su álbum más vendido, Vovin, ha superado las 150.000 copias solo en Europa.
Las letras y la música de Therion tratan los siguientes temas: mitológicos, mágicos, el ocultismo, o las tradiciones y escritos mágicos de tiempos antiguos.
Esta vez regresan los músicos con su gira promocional a Colombia con dos fechas previstas, una en Bogotá y la otra en Medellín (10 de octubre), acompañados por el símbolo del metal Thomas Vikström cantante de Candlemass y un coro operático de tres cantantes.
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Scorpions
La banda acaba de publicar su álbum de estudio número 17 bajo el titulo de "Sting In The Tail", el cual ha recibido altísimas puntuaciones por parte de la prensa especializada y ha abierto el debate de porqué una banda en tan buen momento decide dar por terminada su ilustre carrera.
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Esta es la primera visita de Scorpions a Colombia en más de cuarenta años de historia, un grupo que ha vendido alrededor de 100 millones de discos y que es considerado una de las más grandes e influyentes instituciones en la historia del rock.
Scorpions es una banda alemana de heavy metal/hard rock fundada en Hannover (Alemania) en 1965. La banda se destacó con canciones como «Wind of Change», « Still Loving You» o «Send Me an Angel». La actual formación esta conformada por Klaus Meine a las vocales, Matthias Jabs junto a Rudolf Schenker en las guitarras, Paweł Mąciwoda al bajo y James Kottak en la batería.
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The Adicts
The Adicts es una banda legendaria de punk rock británica, precursora de ese género en los años 80's, con más de 31 años de carrera musical. La agrupación siempre ha mantenido la misma filosofía y los mismos miembros que son: Keith Warren 'Monkey' (voz), Pete Dee (guitarra), Kid Dee (batería), Mel Ellis (bajo), John "Scruff" Ellis (guitarra), Danny Graziani alias 'Fiddle Dan' (violín, armónica, piano).
Sus inicios fueron en el año 1975 siendo su primer nombre Afterbirths; el siguiente año se cambiaron de nuevo de nombre pasando a ser Pinz, pero como había otra banda con el mismo nombre decidieron cambiarse de nuevo a Addicts. Otro año después decidieron que el mejor nombre sería The Adicts, una decisión que les causó algunos problemas con la prensa.
Después de 31 años juntos, y ya con un largo recorrido y varias experiencias, The Adicts decide en el 2009 de lanzar un nuevo álbum con el sello discográfico de People Like You, titulado 'Life Goes On', disco por el cual está de gira.
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Alejandro Fernández
Alejandro Fernández es un cantante mexicano que ha interpretado canciones de distintos géneros que van desde la música ranchera, mariachi, pop latino hasta la balada romántica con los cuales ha logrado vender 20 millones de copias en el mundo.
Ha cantado junto a otros artistas como Joan Sebastian, Gloria Estefan, Julio Iglesias, Miguel Bosé, Yuri, Franco De Vita, Diego "El Cigala", Beyoncé Knowles y Nelly Furtado. En 2005, participó en un concierto junto a los tenores Plácido Domingo y José Carreras. Participó igualmente en una gira internacional junto a Chayanne y Marc Anthony, creando un símbolo de la expresión musical latina.
Su carrera ha seguido constante ascenso y reconocimiento, con el pasar de los años. El enorme aparato publicitario de la disquera «Sony Music», así como los contactos de Vicente Fernández en televisión, han sido la base de la proyección de este cantante, quien con una imagen 'metrosexual' además de un repertorio variado ha logrado gran popularidad en México y Latinoamérica.
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Marc Anthony
Marc Anthony es un cantante puertorriqueño que interpreta sobre todo salsa y más recientemente también de baladas románticas, pop y hasta tango. Dio el salto internacional gracias a Paul Simon, al que considera su maestro y mentor.
El cantante está cazado con la cantante estadounidense Jennifer Lopez. Marc Anthony confesó que siempre ha estado enamorado de la artista y que ella es la misteriosa 'Lola' a quién le dedicó varios de sus discos y canciones.
Neurosis
La banda Neurosis fue conformada en Bogotá en 1987 por Jorge Mackenzie, ex integrante de Darkness. En un principio la banda interpretaba versiones de grupos como Slayer, Venom, o Kreator. Luego la banda empezó a componer temas propios, los cuales serían seleccionados para grabarse en el demo Más allá de la demencia.
Dentro de los reconocimientos que ha tenido Neurosis, se destacan cinco presentaciones en el festival Rock al Parque (1998, 2003, 2005, 2006 y 2009), dos nominaciones a los Premios Shock en la categoría de mejor banda de metal de Colombia, un premio Subterránica a mejor banda de metal (2007) y otro a Jorge Mackenzie por "Toda una Vida Dedicada al Metal" (2008).
Witchtrap es una banda thrash metal conformada en Medellín por los hermanos Witchhammer (batería) y Ripper (guitarra y voz). Ambos hacian parte de la banda 'Dark Millenium', pero decidieron cambiar de grupo por las grandes influencias de los años 80; heavy y thrash metal.
Athanator, una banda igualmente originaria de Medellín, fue formada en 1989. La agrupación de thrash y death metal está conformada hoy en día por Jaime Ocampo (guitarra y voz), Enrique Ramírez (bajo), Eder Zapata (guitarra) y Julian Mejia (batería).
Masacre es un grupo death metal de la ciudad de Medellín formado en 1988. Actualmente esta integrado por Alex Okendo (voz), Jorge Londoño (guitarras), Alvaro Álvarez (Bajo) Mauricio Londoño (Batería).
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Job for a Cowboy
Job for a Cowboy es una banda de death metal/deathcore formada en Glendale, Arizona en el 2003. La banda comenzó como un grupo de 'deathcore', y evolucionó hasta convertirse en un sonido predominantemente del género con su debut de larga duración Génesis. Sus influencias son bandas como Decapitated, Hate Eternal, Mastodon, Nile, The End.
La banda ha tocado en varios festivales, incluyendo Download Festival, Sounds of the Underground y Wacken Open Air. Los actuales miembros de la banda son el vocalista Jonny Davy, los guitarristas Al Glassman y Bobby Thompson, el bajista Brent Riggs y el baterista Jon Rice.
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Han sido definidos por The New York Times como "una banda de Arizona con un gutural, de fuerza bruta descendientes del sonido (indirectamente) del hardcore punk" y "simple acto brutal" por la revista Rolling Stone.
La banda ha tocado en varios festivales, incluyendo Download Festival, Sounds of the Underground y Wacken Open Air. Los actuales miembros de la banda son el vocalista Jonny Davy, los guitarristas Al Glassman y Bobby Thompson, el bajista Brent Riggs y el baterista Jon Rice.
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Hypocrisy
Hypocrisy es una banda originaria de Ludvika (Suecia) formada en 1990. La agrupación de 'death metal' esta conformada por Peter Tägtgren (voz y guitarra), Mikael Hedlund (bajo), Horgh (batería) y Klas Iceberg (guitarra).
El grupo ya había tocado en Bogotá en marzo del año 2004 y regresa esta vez con 13 nuevos temas listos que forman parte del nuevo CD que esta promocionando; 'A Taste of Extreme Divinity'.
Musicalmente la banda tocaba un death metal puro y tradicional, con tintes de black metal, en sus dos primeros trabajos, para llegar a un metal más melódico al pasar los años. La letra de las canciones (escritas al comienzo por Masse Broberg, el primer vocalista de la banda) era satánica y anticristiana. Sin embargo, la banda decidió orientarse en otros temas como el paranormal y los extraterrestres, momento en el que Masse partió de la banda para ser bajista en Dark Funeral. 'Virus' el décimo disco tenía en cambio un contenido típico del 'death metal'; violencia, horror, tortura, guerra, drogas y problemas emocionales.
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Green Day
Green Day es una banda estadounidense de rock originaria de Berkeley (California), formada en 1989. Actualmente la agrupación está conformada por Billie Joe Armstrong (voz y guitarra), Mike Dirnt (bajo y coros) y Tré Cool (batería).
Tras el lanzamiento de American Idiot en el 2004, el grupo permaneció inactivo durante cinco años (a excepción del lanzamiento de diversos sencillos) hasta el lanzamiento del álbum más reciente, '21st Century Breakdown'.
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El grupo tuvo alrededor de cinco millones de ventas con cada uno de sus dos primeros discos y esta cifra se triplicó (con más de quince millones de copias) con 'Dookie'; el álbum más exitoso. En total, Green Day ha vendido aproximadamente 60 millones de álbumes alrededor del mundo y ha ganado diversos premios como el Grammy de la Grabación del Año por el video de "Boulevard of Broken Dreams".
Tras el lanzamiento de American Idiot en el 2004, el grupo permaneció inactivo durante cinco años (a excepción del lanzamiento de diversos sencillos) hasta el lanzamiento del álbum más reciente, '21st Century Breakdown'.
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Escape The Fate
La banda originaria de las Vegas y formada por Craig Mabbit (vocalista), Max Green (bajo y voz), Byan Money (guitarra) y Robert Ortiz (batería y percusión) llegan a Bogotá con su primera gira latinoamericana.
El grupo de post hardcore se formó a inicios de la década del 2000 y actualmente se encuentra trabajando en su tercer disco que será lanzado en el invierno de 2010. Aunque el estilo general de la banda es 'hardcore', puede confundirse con el 'metalcore' y en canciones como "Ashley" o "It's just me", el género es rock alternativo.
Escape The Fate tiene una mixtura de sonidos que pueden variar entre el punk, el rock y el metal. ETF ha confesado haber sido influenciado por géneros musicales entre los cuales se destacan el heavy metal, el death metal, el metalcore y el glam metal, pero no se les olvida las principales bandas de la escena post-hardcore como Blessthefall, Lovehatehero, Silverstein, Chiodos, entre otras.
Crystal Castles 2
Habiendo realizado numerosos tours por Europa, Asia y Estados Unidos y después de participar en los más prestigiosos festivales del mundo como el Coachella, el Glastonburry y el Lollapalooza, Crystal Castles llega a Bogotá en su mejor momento. En mayo del 2010 la banda ha lanzado su nuevo trabajo discográfico homónimo (otra vez), en donde el dúo sobrepasa todas las expectativas.
Su música ha sido descrita como: "Melodías placenteras y gritos feroces que se conjugan con caóticos sonidos 8-bit de Nintendo y distorsión, para penetrar tu cráneo y poner a vibrar los más desquiciados rincones de tu cerebro."
Crystal Castles
Crystal Castles es un grupo de música electrónica experimental, integrado por el productor Ethan Kath y la vocalista Alice Glass y fue en marzo del 2008 que el mundo vio nacer este dúo incomparable.
El LP homónimo del grupo canadiense 'Crystal Castles' generó eufóricas pasiones y demostró al mundo que el caótico sonido 8-bit de su electro-punk puede llegar a considerarse una revolución. El disco fue catalogado como uno de los 50 lanzamientos más importantes de la década por la revista especializada NME, y catapultó a la banda a las primeras líneas del escenario internacional. Los chicos necios de Toronto habían creado un nuevo género y se convertían en un fenómeno de masas en pocos meses.
Avalanch
Avalanch es una banda con una trayectoria musical impecable y sobre todo, coherente. Su música ha evolucionado a partir del heavy metal para trascender géneros y etiquetas, incorporando elementos del hard rock clásico, del rock duro más contemporáneo, e incluso del pop y la música folk, siempre dando una nueva vuelta de tuerca a su sonido con cada disco.
Con sus últimos álbumes, Avalanch ha consolidado su sonido más personal. Alberto Rionda (guitarras), Fran Fidalgo (bajo), Ramón Lage (voz), Dany León (guitarras y coros), Marco Álvarez (batería) y Chez García (teclados) son los integrantes de esta agrupación.
Avalanch estará en Colombia promocionando su más reciente producción titulada 'El ladrón de sueños', siendo el duodécimo disco de la banda.
La leyenda de Apoptygma Berzerk
La leyenda de Apoptygma Berzerk no pierde vigencia gracias a la determinación singular de Stephan Groth, su líder, quien reconoce que el proceso de mejorar con cada álbum representa un desafío cada vez mayor, sobre todo para una banda que se reinventa con cada uno de sus discos: "No somos una banda que disfruta haciendo el mismo disco dos veces", y que durante el tiempo ha pasado por géneros cómo el EBM, Electropop, Synthpop, Industrial, Gothic y Rock.
Una forma de contrarrestar esto es mediante la introducción de nueva sangre, como lo hizo invitando a Benji Madden de Good Charlotte y a Emil Nikolaisen, quienes hacen diversos aportes al "Rocket Science", su octavo álbum de estudio, mezclado por Schumann Jon (Kent, Mew, Kashmir) y que cuenta también con la participación de Bob Kraushaar (Pet Shop Boys, Erasure, Human League y A-ha).
Su disco anterior "You and Me Against the World" (2006) es un trabajo que se acerca mucho más al rock, pero con "Rocket Science" (2009), han querido dar un paso atrás hacia un sonido más electrónico, "que es de dónde venimos" cómo en su álbum "Welcome to Earth" (2000) que dio lugar a clásicos como "Starsign" y "Eclipse", pero por otra parte la actitud se siente más rocker "probablemente ha resultado más rockero que cualquier cosa que hayamos hecho antes, lo que lo hace más interesante para los fans antiguos y nuestros fans más nuevos ".
Críticos y músicos como Joel Madden han señalado recientemente:
"Apoptygma Berzerk es la mejor agrupación industrial del mundo, sí, del mundo entero. ¿No cree en nosotros? Vaya a donde quiera en el planeta y pregunte a cualquiera por Apoptygma Berzerk, le dirán que Stephan Groth es el John Lennon de la música industrial".
Apoptygma Berzerk en concierto
Conocidos como APB o APOP, se forman en Noruega en 1989 cuando su líder Stephan Groth le apostó a un estilo único que mezclaba el EBM (Electronic Body Music), el Synthpop, el Futurepop, el rock gótico, el heavy Metal, el Techno y el Electro Rock.
Las cifras de APOP incluyen un catálogo con más de una docena de discos, más de 30 lanzamientos (contando singles y EP's), en más de veinte años de carrera musical. APB ha vendido más de un millón de discos, ganando varios premios durante su carrera y ubicándose más de una vez entre los primeros 10 lugares de los listados de Alemania y Escandinavia. Sus giras se han extendido por Europa, Asia, Oceanía, Norteamérica, Latinoamérica y este año se presentarán por primera vez en nuestro País.
Wille Colón
La historia del maestro Willie Colón comienza en el año 1967. Cabe anotar que el despegue del proyecto musical de Willie Colón se debió, en gran medida, a su junte con el cantante ponceño Héctor Lavoe, quien llegó a él por recomendación del veterano músico Johnny Pacheco y junto a quien creó el binomio más importante de la salsa.
Junto al denominado "Cantante de Cantantes", elevó su propuesta al máximo renglón de las escenas musicales, sobre todo porque se logró hilCalvanar un nuevo concepto musical que combinó el tono pícaro e hiriente de la voz de Lavoe y su apego a las melodías de la canción tradicional boricua, con el interés del osado trombonista de proyectar en su trabajo la evocación nostálgica del sonido de las raíces de la música puertorriqueña, en unión al sonido fuerte y agresivo del mundo urbano que los abrigó.
Petra Flurr en Club de Billares Londres
El viernes 2 de julio en Club de billares Londrés desde las 9:00 p.m. estará presentándose el polifacético artista alemán 'Petra Flurr', que promete un 'live Act + performance' cargado de trash con punk, 'german Pop' y new wave de los ochenta. Costo: preventa $30.000, día del evento $40.000.
Boletas de venta en Dechado (Cra 7 # 54-75). Con la compra de la boleta para Petra Flurr llevate un bono de descuento de 10 % en efectivo para artículos del lugar hasta julio de 2010.
Petra Flurr realmente se llama Ivan Sacha Mannina; nació en el 2002 y lleva haciendo música desde muy temprana edad, empezando con el experimental, junto a su antiguo compañero Tony M, que también produjo algunas bases para el proyecto Petra Flurr.
Se ha presentado en varios paises de Europa como suecia, Alemania, Italia, España, Francia, entre otros, y es residente del mítico club 'Saturator' de Polonia.
Su primer disco salió en el 2005 bajo el nombre 'Deutsche Volkzlieder'. Ahora se encuentra produciendo su nuevo EP llamado 'Puffmutter'.
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La Fete de la Musique
Este sábado 26 de junio desde las 10:00 a.m. hasta las 8:00 p.m. se llevará a cabo un concierto con diversas bandas locales en la plazoleta del Centro Cultural Gabriel García Márquez, organizado por la Alianza colombo francesa. Toda una reunión de diferentes géneros y tendencias. La entrada es libre.
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jueves, 24 de junio de 2010
Técnica violinística
Pero hasta entonces, en todos los países, el modelo en cuanto a la técnica instrumental había sido la técnica del violín, sin tener en cuenta ni las diferencias de postura y tamaño. Lo que se hizo, fue una postura de transición, en la que para imitar al violín, se usaron los dedos primero, segundo y cuarto para abarcar la misma distancia que abarcan esos dedos en un violín (una cuarta), y posteriormente, se dejó ese sistema diatónico por un sistema semitonal, con el que poder abarcar, con esos mismos dedos, o bien una cuarta, o bien una tercera. Es también en esta época cuando se producen los cambios de Tourte en el arco, que deja de tener curvatura convexa y se alarga, y cuando se producen los cambios posturales en la mano derecha, pasando de sujetar el arco desde abajo con la palma de la mano hacia arriba, a hacerlo desde arriba con la palma hacia abajo.
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Primeros Metodos del Violonchelo
El violonchelista Michel Corrette fue el primero en publicar un método sobre la técnica y la mejora de la misma para chelistas. Fue en el año 1741, y lo tituló Méthode, thèorique et pratique. Pour Apprendre en peu de temps le Violoncelle dans sa Perfection (en español: Método, teórico y práctico. Para Aprender en poco tiempo el Violonchelo en su Perfección). Fue el primer intento más o menos concienzudo que se conserva sobre la técnica chelística. Si existió un método anterior, todavía no ha aparecido o se ha perdido. Existe un método, de Francesco Scipriani, pero no tiene fecha, así que no se sabe si es anterior o posterior. Corette fue el primero en plasmar, en su método, la posición de pulgar (thumb) para las posiciones más cercanas al puente, que fue posible precisamente por el cambio que supuso elevar al violonchelo del suelo. Además, digita para todas las cuerdas en la primera posición, y también habla de la media posición.
En Italia no le prestaban atención a los métodos y técnicas de estudio, en Alemania se creía que la única manera de aprender las técnicas del instrumento era la propia práctica. Mientras en estos dos países no se publicaba nada referido a los métodos, en Francia, después del manual de Corrette, se publicaron muchos otros, como los de Tillier o Mutzberger.
Violonchelo en el siglo XVIII
Durante el siglo XVII, prácticamente no hay datos de cómo se desarrolló la técnica del violonchelo, sólo se sabe la posición en la que se tocaba por la iconografía de la época, con el violonchelo apoyado en el suelo, y separado del instrumentista. Hay bastantes muestras pictóricas de la época en la que lo muestran, pero no hay ningún documento escrito.
En el siglo XVIII ya hay evidencias del cambio de posición con respecto al violonchelo, que pasa de estar apoyado en el suelo, a ser sujetado entre las rodillas, como lo hacían los violistas de gamba. Esto permitió situar la mano izquierda sobre el mástil de una manera mucho más natural, y llegar mucho más fácilmente a todas las cuerdas. Además, al elevarse el violonchelo, fue mucho más fácil la utilización del arco, que de esta manera podía usarse en su totalidad.
Sí que se habla de la Escuela Clásica italiana de Boccherini, con un sistema técnico básico que adoptó en sus obras para violonchelo.
Violonchelo en el siglo XX
Durante el siglo XX, se siguió componiendo mucha música para violonchelo, con compositores como Ravel, Debussy o Shostakovich. Además, a partir de los años veinte, el violonchelista catalán Pau Casals consigue, con su nueva puesta en escena de las Suites para violonchelo de Bach, devolver al violonchelo a una posición privilegiada. Aparecieron grandes intérpretes como Rostropovich o Jacqueline du Pré, así como Anner Blysma con su violonchelo barroco.
Desde el siglo XX, las mujeres comienzan a ser intérpretes de violonchelo, cosa que no había ocurrido anteriormente. Durante mucho tiempo, solo las mujeres de clase alta podían tener acceso a los instrumentos musicales, y no estaba bien visto por la sociedad la postura de sujeción del violonchelo, entre las piernas, considerándola poco aristocrática. Existe documentación de otro tipo de posturas adoptadas por algunas mujeres violonchelistas, sujetando el instrumento de lado. A esto se sumó los prejuicios que existían contra las mujeres instrumentistas. Pero ya desde los años veinte aparecen mujeres violonchelistas aplaudidas y valoradas, como Guilhermina Suggia o Raya Garbousova.
En los años noventa se utiliza el violonchelo además para música pop, rock e incluso heavy metal, como el grupo finlandés Apocalyptica, con sus tres (antes cuatro) violonchelos, y con la aparición del violonchelo eléctrico.
Violonchelo en el romanticismo
Ya en el siglo XIX es cuando se introduce una de las mayores características del violonchelo moderno, la pica. Al principio, ésta era de madera, y fija, pero permitió que el violonchelista alcanzase una técnica virtuosística que sin el apoyo de la pica era más complicado, con lo que las obras para violonchelo también se hicieron cada vez más complejas.
El romanticismo musical se puede considerar la Edad de Oro del violonchelo. Schumann, Brahms, Dvořák o Mendelssohn compusieron conciertos para violonchelo y orquesta, y con el establecimiento de la orquesta sinfónica, el violonchelo definitivamente se convirtió en el tercer instrumento más numeroso, después del violín y de la viola.[6cursos de guitarra en bogota
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salas de concierto en Violonchelo
A partir del año 1800 es cuando se empezaron a hacer todos los cambios físicos que dieron como resultado el violonchelo moderno. En esta época, se cambiaron las pequeñas salas de cámara por grandes salas de conciertos y teatros de la ópera. El violonchelo tenía ya un gran repertorio como solista, y necesitaba que se proyectara más el sonido para que se escuchara sin problemas por encima del resto de la orquesta de manera más definida y que llegara a un público mucho más numeroso que en épocas anteriores.
Clasicismo
En este periodo, Haydn y Beethoven fueron dos de los grandes compositores que ensalzaron la figura del violonchelo y compusieron gran número de obras para él, ya como instrumento solista. Además, el violonchelo se consolidó como pieza fundamental, como bajo, en la inmensa mayoría de cuartetos y tríos compuestos en esta época, y fue utilizado por prácticamente todos los compositores.[5
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El Violonchelo Barroco
El violonchelo que se usó en toda esta época, se llama violonchelo barroco, y es prácticamente idéntico al violonchelo moderno. Todavía se conservan muchos ejemplares de este tipo de violonchelo y además se siguen fabricando, ya que los músicos que interpretan obras barrocas consideran que la sonoridad de estos instrumentos es mucho más adecuada para este tipo de música. El violonchelo barroco no tenía pica, la varilla metálica que tiene los violonchelos modernos para sujetarlo al suelo, que resulta mucho más cómodo para dejar a la mano izquierda la libertad suficiente para las complicaciones técnicas de las obras posteriores al barroco. Esto pasaba porque al estar sujetando el violonchelo con las piernas y con la mano izquierda, la que crea los distintos sonidos al apretar las cuerdas sobre el mástil, aumentaba la tensión en esta mano y disminuía la agilidad de los dedos. Además, en esta época se usaban cuerdas de tripa, no las cuerdas metálicas que se usan ahora, que le daban una sonoridad completamente distinta. El la de los instrumentos barrocos estaba afinado en 415 Hz en lugar de los 440 Hz de la actualidad, debido en parte por esas cuerdas no metálicas y por la menor tensión que sufrían éstas. El puente era algo más bajo y la curvatura de su parte superior era menor, el cuello era más robusto y el mástil tenía menor inclinación y era más corto. Además, el bastidor del interior era más pequeño. Este violonchelo barroco hacía que el sonido se proyectara menos.[3
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El Barroco
El apogeo del violonchelo comienza durante el barroco. Muchos compositores lo usan de manera recurrente como bajo continuo de las obras, junto con el clavecín, y ya se empieza a usar para agrupaciones más pequeñas, dúos, tríos y cuartetos.
A Johann Sebastian Bach se le ha atribuido por mucho tiempo la poco verificable creación de la viola pomposa (también llamada viola di fagotto o "violoncello piccolo da spalla" [violonchelo pequeño de hombro], usada por Bach para sus Cantatas de Leipzig), que en su versión de cinco cuerdas sirve para interpretar su Suite para violonchelo solo n.º 6. Este violoncello piccolo da spalla se creó para que fuera interpretado por violinistas (poco expertos en la interpretación da gamba, con el instrumento en vertical y sujeto entre las piernas) ya que se interpretaba colocado sobre el hombro y el pecho, y tenía un tamaño mayor al de la viola actual. Algunos investigadores creen que las 6 suites para violonchelo solo en realidad estuvieron creadas para este instrumento.[5]
Vivaldi ya compuso 27 conciertos para violonchelo, y en la segunda mitad del siglo XVIII Luigi Boccherini, que además era violonchelista virtuoso, dedicó 12 conciertos a este instrumento.
Con la gran popularidad que tuvo como bajo continuo, acabó por desplazar totalmente en este período a la viola da gamba, y se consolidó como instrumento recurrente en las agrupaciones de cámara.
En el siglo XVII fueron luthiers italianos, como los Maggini, los Amati (de Cremona, uno de los más antiguos que se conoce es una creación de Andrea Amati, de 1572, llamado El rey, en honor al rey Carlos IX de Francia, y que cuenta con motivos reales, y que es muy similar a los violonchelos actuales) o Gasparo da Salò (de Brescia) quienes fueron variando la forma y tamaño de los antiguos violonchelos.
Muchos de estos violonchelos eran meramente decorativos, como algunos que todavía se conservan (como los de Amati), pero la mayoría de ellos estaban construidos para ser usados. A principios del siglo XVIII, Stradivarius normalizó su tamaño, y lo cambió de 80 a 76 cm, muy similar a la talla actual. En la actualidad los violonchelos de Stradivarius son de los más caros que existen, y ya en su propia época, es posible que los fabricantes de violines que también fabricaban violonchelos ganaran mucho más dinero con la construcción de estos instrumentos que con los violines.
Como muestra de su rápida popularidad, en 1680 ya estaba incluido como instrumento fijo en la Orquesta Imperial de Viena y en 1709, la Orquesta Sinfónica de Dresde ya tenía cuatro violonchelos. Las primeras obras creadas específicamente para violonchelo, fueron de Doménico Gabrieli y de Giuseppe Maria Jacchini (c. 1663-1727) hacia 1689.
Durante sus primeros años, hasta la primera mitad del siglo XVIII, estuvo compitiendo por el repertorio con la viola da gamba, ya que tenían un timbre similar y se usaban sobre todo como bajo continuo. Algunos de los grandes compositores de la época, como Marin Marais o Henry Purcell, se negaron a emplear el nuevo violonchelo, usando en su lugar la viola da gamba y escribiendo expresamente en las partituras que la interpretación debería de ser para este instrumento.
Historia de l Violonchelo
Al contrario de lo que se suele pensar, los precursores del violonchelo aparecieron en la primera mitad del siglo XVII en Italia no como descendientes de la viola da gamba (‘viola de pierna’), sino que pertenecen a la familia de los violines, y nacieron (como los contrabajos) de la viola da braccio (‘viola de brazo’), hacia el 1530, apenas unos años después que el violín. Para la fabricación de estos nuevos instrumentos, usaron características de otros, como el rabel, aunque éste sólo tenía tres cuerdas.[1] Está demostrado, además, que no tuvo nada que ver con la familia de las antiguas violas (como la viola da gamba, por ejemplo), ni en la construcción, ni en la técnica, ni en la interpretación.
En la primera época, había más instrumentos similares al violonchelo, como por ejemplo el violón, que se usaba como bajo continuo. Además, había otros como violonzino o basset, que pertenecerían a la misma familia pero se interpretarían de distintas maneras o tendrían otros tamaños o número de cuerdas distinto. También existía la viola d’amore (viola de amor), por ejemplo, cuyo origen es distinto pero que recuerda al violonchelo en cuanto a su interpretación (con arco) y a su sujeción. Al principio se sostenía sujetándolo con una cuerda a la cintura, o bien sobre el hombro (da espalla), o bien entre las rodillas o en el suelo. Había muchos tipos distintos de violonchelos, desde los tenor, a otros de tamaños mayores, con distintas tesituras y diferentes formas de sujeción.
Posiciones del Violonchelo
A lo largo del mástil hay ocho posiciones o ubicaciones de la mano, utilizadas por los violonchelistas para tocar diferentes sonidos o para hacer más cómoda la interpretación de algunas notas. Se usa también para tocar notas agudas, asemejando su sonido al de un violín.
Cuerdas y afinacion del violonchelo
Las cuerdas se nombran de acuerdo a su afinación: la primera cuerda (contando desde la más aguda a la más grave y de derecha a izquierda en la imagen) es la, la segunda cuerda es re, la tercera cuerda es sol y la cuarta cuerda es do Cello strings.ogg ▶/i. Igual que la viola, pero en una octava más grave.[5]
El registro general del violonchelo ocupa un poco más de cuatro octavas: va desde el do1, dos octavas abajo del do central y que se genera haciendo vibrar —con el dedo o con el arco— la cuerda más grave al aire, que significa sin apoyar ningún dedo sobre la cuerda en el mástil, hasta el do7 (en la posición más aguda de la primera cuerda la1), aunque se pueden lograr notas más agudas (altas), pues no hay limitación física. Otro método de conseguir notas muy agudas es con armónicos. Existen dos tipos de armónicos: Los primeros, llamados armónicos naturales se producen al tocar (y no presionar) la cuerda en sus fracciones (1/2, 1/3 o 2/3, 1/4,...). Los segundos, llamados armónicos artificiales, son una combinación de presionar la cuerda y tocarla en otro punto. Estos últimos son los más dificiles de conseguir.
Al emitir las cuerdas del violonchelo sonidos graves, las partituras no se suelen escribir en clave de sol, sino que lo más común, es escribirlas y leerlas en clave de fa en cuarta, que es el símbolo que se ve en la imagen a la izquierda de las notas. Pero es relativamente frecuente que para registros agudos se empleen otras claves, sobre todo la clave de do en cuarta, y clave de sol.
En un principio, las cuerdas eran cuerdas de tripa, menos resistentes que las de metal, pero que daban una sonoridad más pura y cálida. Estas cuerdas fueron usadas hasta el siglo XX. A raíz de la Segunda Guerra Mundial se generalizó el uso de cuerdas metálicas, más resistentes y con mayor sonoridad que las otras. También hay cuerdas de nylon y otros materiales. Se siguen fabricando cuerdas de tripa, ya que muchos intérpretes que tienen instrumentos barrocos o que tocan música barroca consideran que la sonoridad con este tipo de cuerdas se acerca mucho más a la idea original del compositor.
Puente del Violonchelo
El puente es una pieza de madera que se sitúa hacia la mitad de la parte superior del violonchelo y sobre el que se apoyan las cuatro cuerdas. Tiene que estar en posición perpendicular al plano del violonchelo y a la misma distancia de las dos efes. No está pegado ni clavado a la tapa, sino que se sujeta gracias a la presión que ejercen las cuerdas. Su parte superior, está curvada, lo que hace que las cuatro cuerdas a lo largo del mástil y el diapasón no se encuentren en el mismo plano. Los puentes de los violonchelos barrocos eran más pequeños y tenían la parte superior mucho menos curva, lo que hacía que todas las cuerdas estuvieran en un mismo plano. El principal inconveniente de esto es que al tocar una cuerda, podrías tocar sin querer las cuerdas adyacentes.[4
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generalidades del Violonchelo
Las partes del violonchelo son prácticamente las mismas que las del resto de instrumentos de cuerda frotada. La caja de resonancia, o cuerpo del violonchelo, está formada por una tapa superior, una tapa inferior, y una "faja", que es una sección de madera que une ambas tapas, creando una caja hueca. En el interior de este cuerpo se encuentra la barra armónica, que es una estructura de refuerzo de las tapas que sirve para controlar y distribuir la vibración, y el alma, varilla transversal de madera que une las dos tapas del violonchelo por su parte media, y sirve para que el violonchelo entre en resonancia con las cuerdas. En la tapa superior, se encuentran dos orificios por donde sale el sonido, y se llaman efes (por su forma parecida a esta letra) u oídos. A ambos lados del cuerpo, hay dos escotaduras, que son dos concavidades que permiten una mejor sujeción del instrumento con las rodillas, y sobre todo, permite que pase el arco y no choque con el cuerpo cuando se tocan las cuerdas más laterales, en este caso, el do y el la. Es alrededor de esta caja en donde se encuentran el resto de estructuras.
Comenzando desde arriba, primero se encuentra la cabeza (con la voluta y el clavijero, en donde están insertadas las clavijas, que sirven para sujetar las cuerdas), el mástil y el diapasón (sin trastes, como todos los instrumentos de la familia del violín, a diferencia de la guitarra). Hacia la mitad del instrumento, se encuentra el puente y un poco debajo el cordal (que sujeta las cuerdas y ayuda a afinar el violonchelo ya que se encuentran ahí incluidas las llaves, pequeñas piezas metálicas con la misma función que las clavijas). En su parte inferior está encajado el botón, de donde sale la pica o puntal, también conocida como espiga, que es una pieza metálica, cuya función es apoyar el instrumento en el suelo y regular su altura para comodidad del chelista.
Aunque en tamaño estándar profesional del violonchelo es el del tamaño 4/4, existen instrumentos de otros tamaños, más pequeños, como 3/4, 1/2, 1/4 o 7/8.[1] Los violonchelos barrocos son algo más pequeños que los modernos.
El Violonchelo
El violonchelo o chelo es un instrumento musical de cuerda frotada, perteneciente a la familia del violín,[1] y de tamaño y registro entre la viola y el contrabajo. Se toca frotando un arco con las cuerdas,[2] y con el instrumento sujeto entre las piernas del violonchelista.
Según la Real Academia Española, en español se denomina chelo, violoncelo o violonchelo (con preferencia por este último).[3] En algunos países hispanohablantes, se utiliza también la palabra italiana violoncello (pronunciada como en italiano: violonchelo), que no está reconocida por dicha Academia.
En italiano también se abrevia cello (chelo). Según la Academia, el ejecutante de violonchelo se llama violonchelista, violoncelista o chelista. Forman parte fundamental en la orquesta, dentro del grupo de las cuerdas, realizando normalmente las particiones graves, aunque la versatilidad del instrumento les permite realizar partes melódicas.
Tradicionalmente es considerado uno de los instrumentos de cuerda que más se parece a la voz humana.[1] A lo largo de la historia de la música se han compuesto muchas obras para violonchelo debido a su gran importancia dentro del panorama musical al ser éste un instrumento básico en muchas formaciones instrumentales.
un leon demente
on 'Un león demente', su disco más reciente, Gieco explora su lado más roquero, en el que ya tenía un pie desde que cantaba versiones de los Rolling Stones en los 60 y de la banda Porsuigieco.
"(El metal) era un sonido que no tenía en mi carrera pero lo conozco y lo aprecio (...) Desde siempre escucho a Black Sabbath, a Ozzy Osbourne, e incluso mis maestros como Neil Young, quien a veces saca con su Crazy Horse un sonido así", explica Gieco.
Ahora, anda concentrado en el cine. Dirigió un documental, titulado 'Mundo alas' que, espera, quede entre a la competencia por los premios Óscar.
"Es un documental ficcionado, una gira con 15 artistas con discapacidad, y terminó siendo el más premiado en la historia del género en Argentina. Tenemos 35 premios y la vamos a llevar a Nueva York y Los Ángeles a estrenarla en agosto", añade.
En torno a la hibridación de las músicas iberoamericanas, tema que hace parte de la agenda del Congreso, afirma que "no está mal, porque la cultura sigue intacta y virgen, sigue siendo nuestra reserva".
Visitas de Gieco
Gieco será uno de los invitados al III Congreso Iberoamericano de Cultura, en Medellín. Hará parte del Concierto Iberoamericano -con su grupo tradicional que lo acompaña desde los años 90-, junto a Carlinhos Brown, Fito Páez, Rosario, Antonio Carmona, Zoé y Aterciopelados, en la Plaza Carabobo, el próximo 3 de julio.
"Creo que no hay mejor lugar para mis canciones que un congreso de cultura", asegura el músico, quien celebra que se realice el encuentro para debatir los retos y problemas de la escena musical iberoamericana. Él es, a su manera, una víctima de las tendencias de la industria musical.
"Nuestras canciones no se pasan en la radio, se pasan en los momentos especiales y más sensibles que puede vivir un país, pasan los 24 de marzo, el día más oscuro que puede tener Argentina, o cuando hay una manifestación de madres de la Plaza de Mayo", explica.
Para el artista, quien es el autor de 'Sólo le pido a Dios', canción que inmortalizó Mercedes Sosa, la partida de la diva representa una crisis que va más allá de la música en su país: "Después de lo que pasó con ella, entramos todos en problemas acá (...) Ella era nuestra Mick Jagger, nuestra Paul McCartney, la representante más increíble que tuvimos en Argentina desde Gardel, y cada vez que ella elegía una canción para cantar ya no iba a ser más lo mismo, ya sería aplaudida en Europa y en todo el mundo, estaría cargada de mares y viajes".
leon gieco
Desde su lujoso camerino en el estadio de River Plate, los integrantes de Metallica se preguntaban quién podría ser ese demente que se atrevió a salir solo al escenario y con apenas una guitarra a abrirles su concierto de alto voltaje. Y lo que más les sorprendía era que nadie abucheaba al hombre sexagenario que se hacía llamar 'El fantasma de Canterville'.
Aquella noche del pasado 22 de enero, y luego de unas cuantas canciones acústicas, al indomable León Gieco se le unió Andrés Giménez (ex A.N.I.M.A.L., mítica del metal argentino) y su banda de roqueros que sacudían sus cabezas, mientras le daban al público nuevas versiones de sus clásicos que allí sonaron más a rock duro que a canción protesta.
El cuadro, lejos de parecer la caricatura de una crisis de edad del cantautor, resultó ser uno de los momentos más emotivos de su carrera y un lujo que se puede dar solo quien ha ganado ese estatus de poeta de la realidad argentina.
'Zorzal Criollo'
La Casa Gardeliana ofrece el recorrido permanente denominado 'Tras las huellas de Gardel'. Grupos de cinco a 20 personas parten del aeropuerto Olaya Herrera, donde un guía explica las hipótesis de la muerte del cantante junto a algunos de sus músicos, cuando el avión en que viajaba chocó con otro aeroplano a punto de despegar.
De allí van al Patio del Tango, un bar antiguo y con sabor arrabalero, y luego, al Museo Cementerio San Pedro, para un recorrido musicalizado con violín y flauta en el lugar donde estuvo seis meses el cuerpo de Gardel. El paseo termina en la Casa Gardeliana con vino, churrasco y presentaciones artísticas.
Festival Internacional del Tango
Con el nombre 'Gardel nunca se ha ido', el IV Festival Internacional de Tango Ciudad de Medellín (del 24 al 27 de junio) hará un homenaje con cantantes, músicos, bailarines y especialistas en Gardel. La Casa Museo Pedro Nel Gómez expone 'Gardel: imaginarios de ciudad', un recorrido por los lugares donde a diario se oye la voz del 'Zorzal Criollo'. Hoy habrá dos actos de conmemoración: uno es a las 2:30 p.m., en la plazoleta que lleva el nombre del cantante en el Aeropuerto Olaya Herrera, y el otro es a las 3 p.m., en la Avenida Carlos Gardel.
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Carlos Gardel 75 años
Ahora que se conmemoran los 75 años de su muerte - el 24 de junio de 1935, en una colisión de dos aviones en el campo de aviación de la ciudad-, Nieto, que nunca abandonó a Medellín desde que llegó hace medio siglo, es reconocido como el hombre que más ha aportado para mantener viva la memoria del 'Zorzal Criollo'.
Desde que tiene uso de razón y por influencia de las mujeres de su familia, se sintió atraído hacia la música de Gardel, a quien en su casa llamaban 'El Gordito'. "La fuerza de su voz, mezclada con el baile y la pasión que ponían mi madre y mis hermanas, era algo hermoso", recuerda.
Cuando llegó a ver el lugar que se llevó a su ídolo, había en la capital de Antioquia cierto apogeo de gauchos que la reconocían como suya, por la facilidad para encontrar sitios donde oír las melodías gardelianas.
"El gusto por Carlitos nos fue uniendo a un grupo de admiradores y de allí nació la necesidad de expandir su recuerdo hecho canto", asegura.
Recuerda que el día en que murió 'El Gordito' su familia lloró frente a la radio y ahí supo que alguna vez visitaría Medellín. Nunca conoció a su ídolo, pero al igual que sus amigos paisas enamorados del tango, sabe la hora exacta de su muerte, el nombre de quien hizo el levantamiento, las joyas que lucía ese día, el momento de abordar el avión que lo iba a llevar a Cali y todo su recorrido artístico.
Thriller
En los quince días que siguieron a su fallecimiento se comercializaron más de 2 millones de sus discos en Estados Unidos. A finales de año esa cifra se elevó por encima de los 8 millones, lo que le convirtió en el artista que más álbumes vendió en el país en 2009 por delante de cantantes como Taylor Swift o Lady Gaga.
El difunto Jackson se convirtió nuevamente en una máquina de hacer dinero, después de años de gastos desmedidos. Según datos de la revista Billboard, desde junio de 2009 el "rey del pop" ha ingresado alrededor de 1.000 millones de dólares entre venta de discos, derechos de autor y otros contratos firmados por el fondo fiduciario que gestiona su patrimonio.
Entre otros acuerdos destacó el alcanzado con Sony Music Entertainment que autorizó a la discográfica a desarrollar diez nuevos proyectos relacionados con Jackson durante los próximos 7 años, uno de ellos será un disco del "rey del pop" con temas inéditos que el artista había descartado en anteriores producciones. El álbum saldrá en noviembre con grandes expectativas de éxito en el mercado.
Unos meses más tarde se celebrará la gala de los premios Grammy en la que Jackson podría estar presente gracias al álbum "This Is It" que se realizó con las grabaciones de los ensayos de la gira londinense, de las que también surgió una película documental.
El "rey del pop" fue repetidas veces ganador de esos galardones que concede la Academia de la Grabación de EEUU desde que obtuvo su primer gramófono dorado con 20 años gracias a "Don't Stop 'Til You Get Enough" (1979).
Fue sin embargo "Thriller" (1982) el trabajo que elevó a Jackson hasta el olimpo musical, disco que arrasó en los Grammy y es la producción más vendida en la historia de EEUU según las cifras de la Recording Industry Association of America (RIAA).
Michael Jackson
Sus peculiares relaciones con niños, sus problemas en los tribunales por acusaciones de abusos de menores, las apariciones con sus hijos con la cabeza cubierta y su precaria situación financiera fueron los temas que lo hicieron "noticia". Ya para 2009 la estrella de Jackson se apagaba y le empezaban a buscar heredero entre las figuras jóvenes como Justin Timberlake.
Pero el creador de "Thriller" decidió que había llegado la hora de volver. Y en marzo de ese año el "rey del pop" anunció su retorno a los escenarios con una serie de actuaciones en julio de 2009 en Londres llamadas "This Is It", un título que sonaba a despedida y con el que Jackson quería resucitar su carrera.
Pronto se agotaron las entradas y se demostró que Jackson, más allá de arrastrar a su enorme masa de fans, seguía siendo un fenómeno planetario. Su repentina muerte por intoxicación aguda de medicamentos mientras preparaba en Los Ángeles su regreso artístico no haría más que encumbrar su legado.
El resurgir de Michael Jackson
Su música lo convirtió en leyenda y su muerte en mito y por eso su adiós, lejos de condenarlo al olvido, supuso el resurgir artístico de un excéntrico Michael Jackson que llevaba años alejado de los escenarios.
El proclamado "rey del pop" falleció el 25 de junio de 2009. Habían pasado 12 años desde su última gira mundial con motivo del "History Tour" y 8 desde su último concierto y el lanzamiento de su último disco de estudio, "Invincible". Con el cambio de milenio el cantante dejó de ser protagonista por su talento y empezó a llenar páginas de periódicos con sus extravagancias.
Academia 4
En la España de los Siglos de Oro florecieron numerosas academias literarias, y otras científicas, como la Academia de Matemáticas de Madrid o Academia Real Matemática (1582) y la Real Academia de Medicina y Cirugía de Sevilla (1693)[3] y artísticas, como la Academia de San Lucas (1603-1626).[4] Hasta tal punto la fundación de academias llegó a difundirse, que Miguel de Cervantes se burla de ello con los ficticios académicos de Argamasilla que aparecen en El Quijote.
A partir de la Edad Contemporánea, el término academia, se usa, en términos genéricos, como sinónimo de mundo intelectual, sobre todo para referirse al universitario (que ha vuelto a ocupar un lugar central en la ciencia y la cultura). En términos específicos, designa a las sociedades científicas, literarias o artísticas establecidas con patrocinio privado o público. Su rol como institución es el fomento de una actividad cultural (literatura, lengua,música, danza) o científica (promoción de una ciencia o alguna especialidad determinada). En algunos países, se da el nombre de academia a instituciones educativas de muy distinto nivel (desde la enseñanza secundaria hasta diversas enseñanzas técnicas, incluyendo las academias militares). El término académico aplicado a personas, en cambio, suele reservarse para los miembros de instituciones de élite (en Francia, la Academia Francesa, en España, las Reales Academias, en Inglaterra la Royal Academy y la British Academy, en la antigua URSS la Academia de las Ciencias de la Unión Soviética, etc.).
Academia 3
En el Renacimiento se fundó la academia platónica florentina (1440, Cosme I de Médici, Marsilio Ficino, Pico della Mirandola, etc.). A partir de ella se difundió la idea de academia como institución cultural donde, fuera del ámbito de la universidad medieval, que había quedado anquilosada en la escolástica, se posibilitaba el contacto e intercambio de ideas entre la multiplicidad de disciplinas intelectuales que englobaba el nuevo concepto de humanista (filólogos, poetas, artistas, científicos, condiciones que muchas veces coincidían en la misma persona). Fueron esenciales para el inicio de la modernidad que llevó a la revolución científica del siglo XVII: la Academia Linceana en Roma (Federico Cesi, 1601-1630), la Accademia del Cimento en Florencia (Evangelista Torricelli, Giovanni Borelli, 1657-1667 -cimento significa "experimento", y su lema era Probando e reprobando), la Royal Society inglesa (1660), la Academia de las Ciencias francesa en París (1666) (estas dos últimas representaban dos modelos de organización alternativos: mientras que la inglesa era un club privado cuyos miembros pagaban cuotas, la francesa era una institución pública a sueldo del Estado); y la Academia de la Arcadia (1690) en Roma. La actividad de Leibniz promovió la creación de academias científicas en Berlín, San Petesburgo, Dresde y Viena.[2
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Academias 1
La palabra academia designaba en su origen un cuerpo de profesores, una escuela donde se profesaba un ramo de enseñanza, especialmente de lo que se llama facultad mayor. Por eso al fundar las universidades, reuniendo todas o gran parte de las facultades, se las denominó academias, nombre que aún se conserva en latín. Considerados de esta manera, las academias o sociedades científicas fueron desconocidas de los antiguos. En tiempo de Augusto César, se leían composiciones poéticas por los propios autores en asambleas o juntas privadas donde solo eran admitidos hombres doctos capaces de censurarlas. El mismo Augusto solía recitar sus composiciones en tales juntas y oía cortés y pacientemente no solo a los que en ellas recitaban poesías sino también oraciones y diálogos. Estos y otros testimonios que nos conserva la historia acreditan la reunión de los hombres entendidos con objeto de cultivar las letras y las ciencias en tiempo de los romanos. Carlomagno, a solicitud de su maestro Alcuino promovió una reunión de amigos del mismo monarca los cuales cultivaban la grafhálica, la historia, la retórica, y las matemáticas. En el siglo siguiente fundó Alfredo en Oxford otra sociedad o academia que como la de los árabes en Granada y Córdoba, era más bien una escuela, que sirvió de base para la universidad erigida en el mismo punto. Pero estas sociedades no pueden considerarse como academias en el sentido común de la palabra, según las noticias que han llegado hasta nosotros.[1
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Academia
El término Academia (del latín academia, y éste a su vez del griego akademeia) en el sentido más estricto se refiere a la Academia de Atenas fundada, en la Grecia antigua, por Platón. Debe su nombre a un héroe legendario de la Mitología griega, Akademos (originalmente Hekademos) o, menos correctamente, Academus.
Estaba ubicada a las afueras de Atenas, al nordeste, en unos terrenos adquiridos por Platón alrededor del 384 a. C. En dicho lugar se encontraba un olivar, un parque y un gimnasio. La instrucción allí impartida incluía matemáticas, dialéctica y ciencias naturales. La Academia platónica existió hasta el año 529 cuando el emperador bizantino Justiniano I ordenó su clausura junto con las otras escuelas griegas, por ser consideradas paganas. Actualmente, los restos de las instalaciones de la Academia forman un conjunto arqueológico situado en el barrio de Kolonos, a media hora del centro de Atenas.
miércoles, 23 de junio de 2010
guitarra en el Siglo XX
El luthier español José Ramírez III junto al guitarrista Narciso Yepes le agregaron cuatro cuerdas más en las graves, sobre un amplio mástil cuyos múltiples trastes permiten ampliar notablemente la gama de sonidos de la mano izquierda. Narciso Yepes tocó por primera vez esta guitarra de diez cuerdas en Berlín en 1964 y, a partir de ese año, fue su instrumento habitual en los conciertos, especializándose en piezas renacentistas y barrocas.
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guitarra Siglos XVIII y XIX
Iniciado el siglo XVIII Jacob Otto agrega la sexta cuerda a la guitarra y se estandariza la afinación moderna, el cambio más significativo sufrido por este instrumento. A mediados de siglo, la historia de la guitarra moderna alcanza un gran apogeo con el español Francisco Tárrega, creador de la escuela moderna y autor del cambio en el uso del posicionamiento de las manos y la manera de pulsar las cuerdas.[3]
A finales del siglo XVIII y principios del XIX, algunas guitarras usaban seis cuerdas simples y emplearon unas barras de refuerzo debajo de la tapa armónica. Estas barras fueron añadidas para reforzar la estructura y permitieron adelgazar la tapa para obtener una mayor resonancia y una mejor distribución del sonido a lo largo de la tapa armónica. Otros desarrollos contemporáneos incluyen el uso de un mástil reforzado y elevado usando madera de ébano o palisandro, y la aparición de un mecanismo de tornillo metálico en lugar de las clavijas de madera para afinar. Es importante destacar que el trastero elevado ha tenido un gran impacto en la técnica del instrumento porque las cuerdas estaban demasiado lejos de la tapa armónica de forma que había que apoyar uno de los dedos de la mano derecha para que sirviera de soporte a los demás. Estas guitarras serían reconocidas inconfundiblemente como las primeras guitarras clásicas.
En los comienzos del siglo XIX, en los trabajos de los españoles Agustín Caro, Manuel González, Antonio de Lorca, Manuel Gutiérrez y otros constructores europeos incluyendo a René Lacote y al vienés Johann Stauffer encontramos las características de los precursores más directos de la guitarra clásica moderna. Johann Stauffer tiene una reputación legendaria. En su tienda aprendió a construir guitarras C. F. Martin, que luego se trasladaría a Estados Unidos y cuya firma sigue construyendo guitarras hoy en día. También desarrolló el trastero elevado, a petición de Luigi Legnani, el guitarrista y primer intérprete de los conciertos del violinista genovés Niccolò Paganini. Sus otros avances en la construcción de la guitarra incluyen un mástil ajustable y reforzado con acero y las clavijas de tornillo sin fin que todavía se usan en las guitarras modernas.
Hacia 1850 empezó el trabajo de Antonio Torres Jurado. Con el apoyo de Julián Arcas, ambos almerienses, y sus propias y brillantes intuiciones, Antonio Torres Jurado refinó los soportes estructurales de la guitarra incluyendo siete varas extendidas bajo la tapa armónica. Aumentó también el tamaño de la caja de resonancia y el ancho del mástil. Estas innovaciones influyeron en la mejora del volumen del sonido y la respuesta en los bajos así como el descubrimiento de una técnica para la mano izquierda para el enriquecimiento del repertorio. Ahora la guitarra ya estaba preparada tanto para las demandas del solista como para las del conjunto instrumental. La tradición constructiva en Almería se ha mantenido hasta nuestros días con constructores como Gerundino Fernández García.
guitarra siglo XVII
Otros autores contribuyeron de forma destacada a la literatura sobre la guitarra, como Luis de Briceño en 1626, Lucas Ruiz de Ribayaz y Francisco Guerau, entre otros. En la Península Ibérica la guitarra era ya muy utilizada a finales del siglo XVII, cuando Gaspar Sanz compuso su Instrucción de música sobre la guitarra española y método de sus primeros rudimentos, hasta tañerla con destreza.[4] Anteriormente había guitarras de nueve cuerdas: una cuerda simple y cuatro "órdenes".
En todo caso, parece claro que fue en España donde tomó carta de naturaleza, pues a diferencia de las guitarras construidas en otros países y lugares de Europa, donde se fabricaban guitarras sobrecargadas de incrustaciones y adornos que la hacían casi imposible de tocar, la guitarra española se hacía para ser tocada y fue tan popular que incluso Sebastián de Covarrubias, capellán de Felipe II y lexicógrafo español, llegó a decir: "La guitarra no vale más que un cencerro, es tan fácil de tocar que no existe un campesino que no sea un guitarrista".[5]
Aunque todos los países reivindican su intervención en la invención de la guitarra (con especial mención de Francia) aspectos tales como la forma, la estructura y la afinación, derivan directamente de la guitarra tal como los luthieres ibéricos la diseñaban, sin olvidarnos de los europeos como Johan Stauffer, de quien derivan los diseños de su discípulo C. F. Martin.[5cursos de guitarra en bogota
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